CINEMA JEAN RENOIR

programme du 21 Décembre 2011 au 31 Janvier 2012

2011-12-19T17:23:00.001+01:00

É V É N E M E N T S

RETROSPECTIVE KUBRICK

Soirée de ClôtureVendredi 6 Janvier 20h00
en présence de

MICHEL CIMENT

et projection en numérique de

Shining possède la double caractéristique des grandes oeuvres cinématographiques : un harmonieux et cohérent réseau de sens qui comblent et excitent l’analyste, et une extraordinaire efficacité fictionnelle qui fait jubiler le cinéphile. Ajoutons à cela l’interprétation diabolique de Jack Nicholson, le choix magistral des seconds rôles, la qualité inouïe de la bande-son, l’orchestration impeccable d’une photographie rythmée par des travellings longs comme des fugues, le décor somptuaire et nécrophilique de cet hôtel monumental. Ignacio Ramonet, 22/10/1980

Fritz Lang, John Ford, Stanley Kubrick, Elia Kazan, Federico Fellini, Roman Polanski, ... Michel CIMENT les a tous approchés, tous connus. Il était là pour interroger, après la sortie d'Orange mécanique, l'intouchable Stanley Kubrick. « Je le vois encore dans son duffel-coat, pas du tout apprêté, timide même, modeste, l'humour sardonique mais sans chercher les pirouettes verbales pour fuir les questions, au contraire il était toujours en quête du mot juste. » Ils se sont revus, longuement encore, après Barry Lyndon puis après Shining . De ces rencontres Michel Ciment fit un livre où il démontrait, sous l'apparente discontinuité de ses films, la cohérence dans l'oeuvre du maître.

Dossiers, conférences, entretiens, images... sur :

retrokubrick.blogspot.com

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CECI N'EST PAS UN FILM

Mardi 17 Janvier 20H30

En Partenariat avec la Ligue des Droits de l'Homme

En présence de

Henri ROSSI

Président de la LDH Cannes-Grasse

Depuis des mois, Jafar Panahi attend le verdict de la cour d’appel.

Condamné, par les autorités de son pays, à six ans de prison et à vingt années d’interdiction d’exercer son métier. Assigné à résidence en attendant le verdict de la cour d’appel, il est devenu un « homme empêché ». Avec la complicité de son confrère, le documentariste Mojtaba Mirtahmasb, il veut, à travers une journée dans son quotidien de reclus, tenter de poursuivre son chemin, coûte que coûte.

Comment, quand on est réalisateur, faire un film depuis son appartement, sans caméra, sans chef opérateur, sans preneur de son, sans…rien ? En vivant en Iran, interdit d’exercer son métier. En livrant à la petite caméra DV d’un ami, autre réalisateur, sa frustration. Et en la tournant naturellement en force créatrice. Parce qu’il a ça dans le sang, Jafar Panahi. Finalement, de ces bouts de rien travaillés par un montage haletant, Panahi et Mirtahmasb livrent un objet filmique inattendu, qui n’est rien d’autre que tout ce qu’on attend du cinéma. Ceci n’est pas un film est le cri de rage d’un cinéaste empêché. Ceci est la force, l’angoisse et la beauté d’un geste cinématographique hors cadre. Ceci est tout un monde dans un objet filmique inattendu. « Un film n’est jamais ce qu’on raconte, mais ce qu’on réalise. » Précisément. Jafar Panahi a réalisé Ceci n’est pas un film, mais ceci est un FILM… et un grand ! Sarah Elkaïm

« L’événement du dernier festival de Rotterdam, ce n’était pas un film mais un cinéaste. Impossible d’oublier la première apparition dans le hall du Louxor, alors qu’on venait juste de voir son court métrage Pirosmani, de ce petit homme trapu, à la barbe blanche, qui, un bouquet de fleurs à la main, entouré de son ami Pelechian, avec sa casquette Front popu, et du géant Hubert Bals, dévorait du regard les visages qui l’encerclaient, heureux, ému jusqu’aux larmes, allant même jusqu’à s’excuser de ne pas avoir de cadeaux pour tous ceux qui l’avaient attendu.
Rencontrer un cinéaste pour la première fois, c’est éprouver ce plaisir de découvrir la ligne d’échéance, secrète, intime, qui relie l’homme à ses films. Du cinéma de Paradjanov, je dirais qu’il est l’approbation de l’art jusque dans la vie.
De l’homme, celui qui préfère aller chiner aux puces de Rotterdam, flâner au marché aux fleurs, acheté des vases de Delft, j’ajouterais qu’il aime l’art, sous toutes ses formes, comme Boudu la vie : d’une manière exubérante, concrète, truculente, facétieuse, boulimique, contagieuse. L’art, avant d’être une idée, un concept (la beauté), participe de la vie, de son souffle. C’est un plaisir, une fête, une jouissance partagée. L’homme m’a frappé par sa générosité (il ne reçoit rien sans offrir en retour, tout pour lui est don, cadeau, échange sans fin, « potlach »), sa chaleur, son avidité à respirer le bonheur présent, loin de l’amertume du passé. Bref, ce conteur-bateleur déroute, charme, ensorcelle. En un mot, à l’image de ses films, magique. » Charles Tesson Cahiers du cinéma n. 410, Septembre 1988.

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CINE BISTROT PHILO

Mardi 10 Janvier 19H00

Le Don : Pourquoi donner ?

Soirée et débat animé par

Benoit SPINOSA

(philosophe et auteur de Pourquoi donner aux éditions ALEAS)

Vladimir BIAGGI

(Philosophe)

En partenariat avec la MJC, la Médiathèque de Martigues et la librairie l’Alinea.

Que signifie le don dans un monde qui marchande tout, qui soupçonne toute générosité d’être intéressée et hypocrite, qui voit dans la gratuité une absence de valeur ? Pourtant, sans attendre de contrepartie, le don appelle le don, et la relation se crée, le lien étant alors plus fort que les biens. Boucle étrange, énigme du don.  Il y a des gens qui prennent, qui gardent pour eux, qui refusent un bonjour, qui parlent pour faire taire, qui répliquent pour humilier, qui, à la générosité offerte, répondent par le sarcasme, la bêtise malveillante ou la vanité militante. Ces postures de haine, qui s’interdisent l’avenir, rappellent que la boucle du don reste l’effort tenace que l’humain produit pour échapper aux ombres de la mort.

Le DEBAT sera suivi d’un BUFFET et d’un

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C’est un film à deux balles. En monnaie d’aujourd’hui, selon le slogan «vendeur» de Donoma et, sans tenir compte de l’inflation, un film à 150 euros. A ce tarif, ni Djinn Carrénard, auteur, producteur, réalisateur, cadreur monteur et chef de troupe, ni sa dizaine de comédiens n’ont pu espérer se remplir la panse avec un salaire à la fin du tournage. Une économie de la pénurie et de la démerde, en elle-même respectable, mais qui n’est pas forcément synonyme de chef-d’œuvre. Si Donoma nous accroche, nous intrigue, c’est précisément qu’il ne fait pas la manche même s’il tend la main vers ceux qui, généralement, sont interdits, sinon d’images, du moins de fiction. Disons que lorsque la fiction s’empare de ces sujets dits «sociaux» cela donne de plus en plus des grosses productions issues du star-system vantant les vertus de la misère sympa et pratiquant le tour de passe-passe d’une disparition magique des problèmes de classes.

Dans Donoma, les personnages ne sont pas aimables - entre autres, une prof agitée du bocal, un élève de ZEP ramenard, une jeune fille mystico-boudeuse, un jeune homme parasite et vaguement mythomane. Le film brasse des affaires de dragues, de couples et de ruptures. Mais, alors, qu’est-ce que Donoma apporte de si singulier, pourquoi donne-t-il à ce point le sentiment d’ouvrir brutalement les fenêtres pour faire entrer le vent frais d’une génération mal disposée à l’égard des vieux tabous professionnels, des doxas esthétiques usées jusqu’à la corde ?

Lascar. Djinn Carrénard ne connaît personne dans le cinéma pro, il a recruté, dit-il, ses acteurs parmi ses amis et sur Facebook. Il n’a pas fait la Femis, il a écrit un scénario et des dialogues, mais s’est bien gardé de les donner aux acteurs. Bien que hors système, il a adopté sans complexe la technique des projections-tests afin dit-il «de casser le mur entre le cinéma grand public et le cinéma d’auteur». Son film se déverse en un flot d’énergie qui est aussi une tentative d’épuisement : des situations, du langage et du plan quand, manifestement, le réalisateur laisse courir non seulement la parole mais aussi sa caméra, jusqu’à jouer avec nos nerfs au risque de l’exaspération.

D’ailleurs, Donoma n’a cessé, au fil de ces derniers mois, de changer de montage et de forme. Présenté dans la section Acid en mai 2010 à Cannes, il a depuis muté plusieurs fois. Les projections de presse montraient une copie de travail, et la version finale, qui sort aujourd’hui en salles, s’est vue augmentée d’un personnage de psy qui n’apparaissait pas auparavant. Ce work in progress est un beau symptôme du film dont on sent la matière vivante.

On entre dans Donoma par la porte du réalisme banlieusard, mais rapidement on saute sur de nouveaux personnages, des récits gigognes, emportés par un art de la diagonale comme ligne directrice ou force motrice. Chacun vaque à son identité de personnage, mais en déjoue toutes les prévisibilités programmées. Le lascar macho et fort en gueule est pris à son propre piège de virilité prématurée (il est censé avoir 17 ans), la prof n’est ni une sainte de l’Education nationale ni une allumeuse, sa passion l’a déborde en tous sens, l’ado difficile ne se contente pas de se ronger les ongles, elle se réveille en sang en proie à une violente crise de mysticisme, la bobo photographe et son compagnon black à la coule sont embringués dans des négoces domestiques assez tordus…

Perdition. Il y a quelque chose de belliqueux dans les rapports entre hommes et femmes tout au long du film, et Djinn Carrénard permet à ces dernières d’avoir physiquement et crûment le dessus. La modernité du projet s’inscrit dans la géographie de batailles sentimentales, de rivalités amicales qui semblent toutes fédérées par une sorte de perdition, un sans toit ni loi appliqué à tous les rapports, qu’ils soient sociaux, sexuels et amoureux. Des paumés ? Sans doute pas. Plutôt une cohorte d’enfants perdus, tel ce jeune skin priant tous les jours dans le RER et engueulant Jésus dans une église parce qu’il ne lui accorde pas le moindre signe.

Par-delà le prosaïsme des intrigues, naît un danger de folie collective autrement plus grave que les failles et déraillements individuels. Ce en quoi Donoma relève de la vision et d’une sorte de sagesse très contemporaine. Le monde va peut-être à sa perte, et il n’est pas nécessaire de l’encourager.
Quelle que soit l’amicale qui s’est créée autour du film et son habileté à manier le vocabulaire de l’antisystème («sortie guérilla», «buzz movie»…), elle ne suffit pas à exprimer le poids réel du film. Donoma, en fait et sans se soucier outre mesure de ses secrets de fabrication, est tout sauf bricolé. Ce qui impressionne au contraire dans ce premier long métrage, c’est sa maturité et l’acuité du regard qu’il porte sur l’époque. Jeux des acteurs plus que saisissants, montage virtuose entrelaçant les fils narratifs, effet de transe progressive.

Le cinéaste a cherché pendant plus d’un an un système de distribution synchrone avec ses façons de franc-tireur (lire ci-contre). Finalement, après achat du film par Arte, il s’est associé avec Commune Image Média, afin de le sortir lui-même. Espérons que cette aventure préfigure une manière totalement renouvelée de penser, de fabriquer et de promouvoir un cinéma indépendant qui travaille à nouveau sans filet et dans l’excitation du saut périlleux. Gérard Lefort & Didier Péron

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Présenté par Béla Tarr lui-même comme son ultime opus, Le Cheval de Turin est effectivement une oeuvre terminale, où tout paraît s'offrir à la lumière d'une mort annoncée, d’une extinction prochaine. Et néanmoins il est difficile de résumer le film à ça, tant chaque plan apparaît avant tout comme témoin d’une vie encore à faire. Soit, à partir d'un synopsis sombre et minimaliste (contraints à ne plus quitter leur ferme en raison d'une tempête interminable, un père et sa fille survivent comme ils peuvent, au jour le jour), mettre en perspective les bénéfices dramaturgiques de l'impasse. Thématique et esthétique de la résistance des parias certes en droite ligne des obsessions du cinéaste (c'est même ce qui fait l'essentiel de sa réputation, depuis la découverte de son monumental Tango de Satan en 1994), mais jamais matérialisées avant ce film de manière aussi frontale et épurée.

Le Cheval de Turin ne triche pas sur ses intentions. L'origine et l'horizon de son spectacle sont les mêmes : Béla Tarr joue, au moment de faire ce dernier film, la carte de la synthèse. Nulle autre péripétie que celle d'un pur statu quo ; sous la surface du plan séquence, rien d’autre que son immanence. Et ce n'est certainement pas l'apologue inaugural (un carton accompagné d'une voix off relatant l’histoire fameuse de l’effondrement de Nietzsche, après sa violente crise d’empathie pour le cheval du titre) qui viendra voiler l'extrême transparence de son récit. L'ouverture donne le ton : un impressionnant plan séquence faisant corps avec l'effort dudit cheval de Turin, tirant ses maîtres sur fond d'une musique lui collant presque à la peau. Mais si ce préambule raccorde parfaitement à l'ensemble des autres scènes, il tient aussi lieu de fausse piste (la seule). Le quotidien de la bête de somme ne sera pas le véritable ancrage de la dramaturgie. Du cheval, il sera certes plus d'une fois question, mais ni lui ni Nietzsche ne seront le corps du film. Ce sont bien sûr ses maîtres, les paysans, qui intéressent le cinéaste, et avec eux la possible représentation d'une éternelle misère humaine, l'accompagnement mi empathique mi distancié de personnages pour qui vivre devient le dernier combat.

Plus précise que jamais, la mise en scène dessine de purs blocs d'espace-temps. Soit, très précisément, l'articulation de trente plans de cinq minutes, portés par l'ambition un peu casse-gueule de retranscrire la sensation physique de l'écoulement de la vie humaine. Le père et la fille, assignés donc à résidence en raison de la météo, mais aussi en raison du refus du cheval de se nourrir, comme en révolte à sa condition, seront alors, dans ce cadre – à deux irruptions près dans leur quotidien sans événement –, les seuls vecteurs de cette tragédie d'un faux mouvement. Plus encore que dans ses réussites les plus récentes (les magnifiques Harmonies Werckmeister plutôt que le laborieux Homme de Londres), le film définit par la structure même de ses plans ce que veut dire tenir debout, résister avec la santé qu'il reste au poids d'une destinée plus forte que nous, le père et la fille ne présentant, au fil des six jours traversés par le récit, d’autre qualité que celles dévoilées par les faits.

On peut, évidemment, s’impatienter un peu une fois compris (très vite) que Béla Tarr n'ira pas, cette fois, au-delà de la démonstration calme de sa virtuosité. Longtemps, malgré l’impeccable maîtrise du cadre (de sa part, c'est la moindre des choses), et bien que les plans saisissent par leur dimension purement hypnotique, une inquiétude se profile. Le Cheval de Turin laisse planer cette inquiétude une bonne heure durant, tandis que se confirme cette mise à plat un peu arrogante de ses ambitions. La boucle, la monotonie lui tenant lieu de fil narratif n'aboutiront-ils pas au piétinement ? C'est pourtant de cette résistance à toute perspective de transcendance, à toute logique de variation, c’est de ce choix d’user son dispositif jusqu’à la corde, que résulte, au fur et à mesure, l'émotion la plus pleine.

Tout ici est en effet joué d'avance. Les personnages tournent en rond, ne disposant d'aucune ressource, à l'abri de toute promesse de lutte ou d'échappée. Mais l'impasse, on le disait, n'est-elle pas la condition profonde de la mise en scène de Béla Tarr ? Son cinéma a-t-il jamais été inspiré par autre chose que la confrontation du corps à la pesanteur, un intérêt persistant pour la survie des mortels à l'obstruction des perspectives ? La scénographie faisant ici loi ne s'offre pas pour la seule ivresse de son installation, mais comme l'ultime espoir pour ce monde là, celui du désastre au travail, de malgré tout se trouver une forme. Se cache même, osons le mot, une sorte de burlesque minimal dans ce jeu trouble de la répétition.

Le père, privé de l'usage d'un bras, tel un enfant, se lève chaque matin à la même heure, attend que sa fille vienne l'habiller, lui serve sa patate chaude (c’est leur seule nourriture). Se révèle ici la passion intacte du maître hongrois pour l'élaboration puis l'acheminement de scènes s'enchaînant et se répondant en un beau principe de palimpseste. Au bout de ces deux heures vingt-six, les personnages perdent certes la partie, leur potentiel de survie ne suffisant pas à contrer une mort leur collant de toute manière déjà à la peau. Mais jusqu'au bout, pour être parvenu à préserver le spectacle de leurs derniers jours d'un pathos pourtant dangereusement proche, le cinéaste aura réussi le pari de réaliser l'antithèse parfaite d'un cinéma misérabiliste ou apocalyptique que l'on connait trop bien (Loach, Innaritu, Von Trier et Haneke dans leurs pires moments...). Proche en ce sens, finalement, d'un Pedro Costa (a-t-on vu pauvres gens aussi nobles depuis En avant, jeunesse ?), Béla Tarr conclut donc son œuvre, tout simplement, à son sommet. Sidy Sakho

Cinéaste d’un temps réinventé, orfèvre perpétuellement traversé par la question de la condition humaine, chercheur invétéré des fondements du monde, Béla Tarr a façonné en neuf longs métrages, quatre courts métrages et un film pour la télévision, une oeuvre radicale et visionnaire, à la beauté formelle fascinante. Né à Pecs en 1955, il se voit refuser l’accès à l’université après avoir réalisé, avec la caméra Super 8 offerte par son père, son premier film amateur, jugé dissident dans la Hongrie communiste de l’époque. D’abord ouvrier de la réparation navale, dit-on, Béla Tarr sort diplômé de l’École Supérieure du Théâtre et du Cinéma de Budapest, débute sa carrière à la fin des années 80 par une trilogie sociale, fortement influencée par le cinéma direct et le travail du Studio Béla Balazs, dont il fait un temps partie. Nid Familial, L’Outsider et Rapports préfabriqués composent ainsi une vision saisissante de la réalité socialiste, dont les plus proches échos pourraient être certains films de Cassavetes et Tarkovski. Après une adaptation de Macbeth pour la télévision, en 1982, composée de seulement deux plans, soixante-sept minutes durant, Béla Tarr affirme son élégance de la mise en scène à travers une seconde trilogie, composée de Damnation, du film-fleuve Satantango et de son film le plus connu à ce jour, Les Harmonies Werckmeister, tous écrits avec l’aide du romancier hongrois Laszlo Krasznahorkai.

Maîtrise du plan séquence, composition d’un noir et blanc magique et captivant, refus de la prédominance de la narration, le cinéma de Béla Tarr pénètre la beauté du monde avec une fulgurance emprunte d’ironie. On retrouve dans L’Homme de Londres, réalisé en 2007, à partir d’une oeuvre de Simenon, ce même désespoir incandescent. L’oeuvre de Béla Tarr se place au confluent des sciences sociales, de la littérature, du théâtre, de la peinture, de la musique et du cinéma. Une oeuvre encore méconnue en France, qui compte pourtant de nombreux admirateurs et connaisseurs à travers le monde, de l’écrivain Susan Sontag au critique Jonathan Rosenbaum, en passant par les comédiens Tilda Swinton et Michael Lonsdale ou encore les cinéastes Gus Van Sant, Jim Jarmusch et Guy Maddin. Comme l’analyse Émile Breton, dans le numéro 3 de la revue Cinéma, daté de septembre 2002 : « On ne peut pas dire que les films de Béla Tarr, du Nid familial et ceux qui le suivirent, situés sous le socialisme, aux Tango de Satan et Les Harmonies Werckmeister postérieurs à sa chute, fassent preuve d’un optimisme excessif quant à l’avenir de l’humanité. Reste pourtant ceci : tous, quels qu’ils soient, procèdent d’une telle jubilation dans l’invention d’une écriture à la hauteur de leur sujet profond, qu’il y a toujours de l’allégresse à les voir ou les revoir.
L’impression qu’ils ont été tournés dans la joie ». À l’occasion de la sortie en France de son film inédit, que le cinéaste annonce lui-même comme le dernier, Le Cheval de Turin, récompensé par l’Ours d’Argent, Grand Prix du Jury, ainsi que par le prix FIPRESCI, Prix de la Critique Internationale, au 61e Festival de Berlin.

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À la frontière des genres, entre chronique familiale, récit schizophrénique et conte apocalyptique, Jeff Nichols signe un film tout simplement brillant, et à tous les niveaux. Complexe, intelligente, Take Shelter nous manipule un temps sans nous prendre pour des imbéciles avant de laisser éclater une folie d’une puissance folle, celle de l’imaginaire et du cinéma. Take Shelter, en plus d’être beau à se damner et d’offrir à d’excellents acteurs des rôles en or, est un film à la construction d’une précision diabolique qui refuse le cynisme pour prendre dans ses bras le grand cinéma fantastique. La réussite est totale.

Sorti dans une relative et incompréhensible indifférence, le merveilleux Shotgun Stories marquait la naissance d’un grand réalisateur, sans le moindre doute. Ce genre d’affirmation étant toujours à remettre en cause lors de la difficile épreuve du second film, c’est peu dire qu’on attendait énormément de Take Shelter, présenté à Sundance il y a plusieurs mois et qui a créé l’évènement à la Semaine de la Critique du Festival de Cannes. Jeff Nichols, c’est aujourd’hui avec James Gray, sous l’aile protectrice de Martin Scorsese, un des seuls réalisateurs au monde à savoir traiter le thème de la famille au cinéma. Après la guerre entre fratries, c’est au coeur d’une famille qu’il s’attaque, au couple avec enfant, un sujet des plus classiques qu’il va modeler pour raconter carrément autre chose et signer un des films les plus surprenants de ces dernières années. Jeff Nichols n’est pas de ces réalisateurs qui suivent un chemin tout tracé, et Take Shelter est une oeuvre chaotique, extrêmement claire, limpide même, mais transportée par les mouvements du chaos qui lui font transcender tous les genres desquels il s’approche. Le résultat c’est un second film magistral en tous points, qui traite autant de l’humain dans ce qu’il a de plus naturel que de l’apocalypse.

S’il échappe à toute comparaison étriquée, Take Shelter se situe quelque part entre Bug de William Friedkin et Phénomènes de M. Night Shyamalan. Ce qui peut être effrayant énoncé ainsi, surtout pour le second, constitue pourtant la comparaison la plus juste s’il fallait caser le film dans une boîte. Autrement, il s’avère plus intéressant d’y voir comme une variation occidentale au Kaïro de Kiyoshi Kurosawa. Sur un mode en apparence très différent, les deux films vont se construire puis se déconstruire jusqu’à la fin du monde, embrassant tour à tour la rationalité et le fantastique, jusqu’à perdre le spectateur et lui balancer une claque monumentale dans le final. Là où la différence se trace, c’est dans le doute. Kaïro laissait apparaître ses fantômes très tôt tandis que la menace de Take Shelter reste longtemps trouble. C’est que Jeff Nichols scrute plus l’individu face à ses failles que la société toute entière. Et le regard qu’il porte sur cette petite famille est d’une pertinence assez rare. Annonçant très tôt dans le récit le risque de schizophrénie chez le personnage de Curtis, il lui adjoint rapidement la maladie mentale avérée de sa mère. Par ce simple détail, au pouvoir dramatique évident, il va aborder le récit sur la folie comme peu avant lui l’ont réussi. Il va utiliser les mêmes artifices que les autres, y compris le méprisable Un Homme d’exception, faire de son héros un fou furieux craignant le complot, la fin du monde, construisant son abris dans l’attente d’une catastrophe impossible.

Mais, au même moment, à côté de ces codes du genre, Take Shelter surprend par ce personnage qui jamais ne va s’en prendre à ses proches. Alors que tous les personnages schizophrènes deviennent à un moment ou à un autre un véritable danger, Curtis prendra chaque décision pour protéger sa famille, toujours. Ainsi Jeff Nichols maintient le doute : est-il malade ou pas? Et dans ce climat d’apocalypse, le spectateur ne sait plus. Un film indépendant, traitant de la famille, et qui tomberait dans le fantastique? Non, c’est impossible. Quoique… On l’avait vu sur son film précédent, Jeff Nichols possède ce talent fou pour brouiller les pistes et proposer autre chose que ce qui était attendu, sans décevoir pour autant. Take Shelter n’est que la confirmation, ce cinéaste est fort, et l’émotion qu’il parvient à toucher dans le dernier acte est d’une puissance peu commune.

Jeff Nichols traite de la fin du monde comme personne, il trouve l’angle le plus original vu au cinéma depuis bien longtemps. Pendant deux heures qui passent en un clin d’oeil il signe un portrait familial aussi touchant que juste, lui adjoint une tragédie en sommeil effrayante, le pimente de moments de tension incroyables qui sont autant de tours de force de mise en scène (les visions d’apocalypse sont des modèles de puissance visuelle) et parvient à rester cohérent. Dans une ultime pirouette il balaye avec une classe démente et une paire de couilles énorme toute la thèse qu’il avait brillamment monté pour embrasser à bras le corps son personnage. Le final est tout simplement sidérant, d’un courage et et d’une maîtrise qui laissent les bras ballants. Porté par une urgence permanente et la présence pesante de l’instinct de survie, Take Shelter est une démonstration de grand cinéma, à la fois d’auteur et populaire, sans le moindre cynisme. C’est également l’occasion de voir à l’écran un couple d’acteurs rares mais pourtant parmi les plus grands du moment, Michael Shannon, encore une fois habité, et Jessica Chastain, lumineuse.

Nicolas Gilli

Programme du 9 novembre au 20 décembre 2011

2011-10-31T19:46:00.010+01:00

Programme téléchargeable

Programme Renoir Martigues du 9 Novembre au 20 Décembre

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RÉTROSPECTIVE
STANLEY KUBRICK

4 FILMS ESSENTIELS
Du 9 novembre 2011 au 3 janvier 2012
Projections numériques et copies restaurées.
En partenariat avec Cinémas du Sud et les salles du réseau.

L’œuvre de Kubrick a marqué les spectateurs par le réalisme et l'objectivité avec lesquels il s'est emparé des cauchemars et des fantasmes universels. Entre ses mains, ces matériaux sont devenus d'angoissantes grilles de lecture de la nature humaine. Chorégraphe de l'espace et mélomane averti, certaines images de ses films s'inscrivent dans l'inconscient collectif au même titre que certaines œuvres d'art.

2001, l’odyssée de l’espace
Du 9 au 22 novembre

Orange mécanique
Du 23 novembre au 6 décembre

Barry Lyndon
Du 7 au 20 décembre

Shining
Du 21 décembre au 3 janvier

EVENEMENT

Vendredi 6 Janvier 2012

20h00

Soirée de Clôture

en présence de

MICHEL CIMENT

Infos, Documents, Entretiens, Photos...

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RENCONTRE

Vendredi 25 Novembre 20h30

En partenariat avec l’association Ensemble Citoyens, Le GNCR (Groupement National des Cinémas de Recherche) L’ACID (Association pour le Cinéma Indépendant et sa Diffusion)

Séance en présence du Réalisateur

Noces Ephémères
Reza Serkanian Iran, 2011, 1h18 Avec : Mahnaz Mohammadi, Hossein Farzi Zade, Javad Taheri…

Une société qui étouffe les désirs et les aspirations individuelles. Une relation entre le jeune et fougueux Kazem et sa belle-sœur Maryam. Une ville iranienne où se pratique une coutume étrange : le mariage à durée déterminée.

On ne regarde pas de la même manière avant et après Noces Ephémères. C’est absolument aujourd’hui, et c’est absolument hors des clichés d’aujourd’hui. Une famille en Iran, une fête, une mort, un mariage qui se fait attendre – des « noces éphémères » entre-temps, peut-être... Tout cela constitue un texte, un tableau, que le film met en place avec élégance, fluidité, dans une forme d’harmonie joyeuse. Et à l’intérieur de quoi, tout en restant inscrits dans la trame harmonieuse des jours, sans crise, les personnages émergent peu à peu comme singularités, les fils commencent à se tisser en un réseau de contradictions, les désirs individuels à se faire entendre. Et là, peut-être, les problèmes commencent. « Peut-être » : parce que peut-être aussi il y aura une solution. On la cherche en permanence : par la négociation, la bonne combinaison, l’arrangement, avec Dieu, la communauté, la police, la famille. Qui peut dire s’il y a une solution ? Mais à l’inverse, qui peut décréter à l’avance qu’on n’en trouvera pas ? Noces éphémères nous met face à la question avec une douceur magnifique : et dans cette douceur, dans cette harmonie – le film ouvre un espace de regard inédit. Marina Déak

A Cannes, Reza Serkanian est partout. Le jeune cinéaste iranien est au centre d’une actualité autant cinématographique que politique : jeudi 12 mai, il présentait Noces Ephémères, son premier long-métrage, en ouverture de l’Acid, l’Association du cinéma indépendant pour sa diffusion. Le même jour, il participait à une table-ronde organisée par la Quinzaine des Réalisateurs, intitulée “Faire des films sous une dictature”, en présence de Costa-Gavras et du cinéaste syrien, Oussama Mohammed. Dans la salle, une chaise vide symbolisait l’absence du réalisateur et représentant de la nouvelle vague iranienne, Jafar Panahi, arrêté le 1er mars, avec Mohamed Rasoulof, parce que soupçonné de préparer un film hostile au régime d’Ahmadinejad. Les deux hommes ont été condamnés à 6 ans de prison et à vingt ans d’interdiction de tourner un film.Tous deux ont fait appel… et présentent un film lors de cette 64e édition du Festival de Cannes.
Il y avait d’autres chaises vides, ce jeudi 12 mai, comme l’a rappelé Costa Gavras. Le réalisateur de Z a lu un message de la comédienne principale de Noces Ephémères, Mahnaz Mohamadi, qui est avant tout réalisatrice : “Je suis une femme et une cinéaste, deux raisons suffisantes pour être coupables, dans mon pays”, écrit-elle, en expliquant qu’elle prépare un nouveau film “sur le combat des femmes pour leur identité”. “La liberté est le mot qui manque le plus à notre quotidien”. Invitée à Cannes, elle n’a “pas eu l’autorisation de quitter le territoire”. “Mais j’attends toujours, et j’ai l’espoir”. Reza Serkanian a précisé que Mahnaz Mohamadi réalise “des documentaires très engagés”. Elle a connu beaucoup de tracas avec les autorités - “on lui avait confisqué toutes ses affaires, son ordinateur”. “Maintenant, elle envoie des mails depuis son IPhone et elle attend son jugement”, a-t-il dit.
Reza Serkanian, lui, est dans une situation différente : il ne vit pas en Iran, pays qu’il a quitté en 1997 pour les Pays-Bas, avant de s’installer en France. Il est retourné dans son pays après dix ans d’absence pour tourner Noces Ephémères. Est arrivée l’élection contestée de Mahmoud Ahmadinejad, et la suite que l’on connaît : les manifestations d’opposants, la répression, etc. Le jeune cinéaste a dû trancher un dilemme : que devait-il faire, rejoindre les siens dans la rue ou s’atteler à son film ? “Je me suis senti un peu bête de faire un film de fiction. Quel devait être mon rôle ? J’étais tenté de participer au mouvement”, a-t-il résumé. Il a finalement opté pour son film car « les objets d’art doivent demeurer dans ces moments extrêmes. Il faut soigner le cinéma (…) Je suis là aussi pour évoquer les autres chaises vides. Les films qui ne se font jamais, les films qui se font mais qui sont retouchés, les films qu’on ne voit pas ou que l’on montre dans un sous-sol”. Cette dernière catégorie est très en vogue actuellement, a-t-il souligné avec une pointe d’ironie. Clarisse Fabre

Le film est programmé du 23 Novembre au 06 décembre (voir grille horaires).

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EXPLORATION-3D

Mardi 13 décembre

Soirée présentée par
Jean CHAUSSERIE-LAPREE
(Archéologue, Conservateur du Patrimoine et responsable du service archéologique de la ville de Martigues.)

En présence de

Jean COURTIN
(Préhistorien, Directeur de recherche honoraire au CNRS)

En partenariat avec la librairie L’ALINEA

La Grotte des rêves perdus
Werner Herzog

France, USA, Allemagne, 2011, 1h30
(Numérique 3D)

Exploration du site de Chauvet, fermé au public.
La vie est faite d’injustices. Ni vous ni moi n’irons jamais, selon toute probabilité, visiter la grotte Chauvet, l’un des plus beaux témoignages d’art pariétal jamais découverts, et à ce jour le plus ancien (environ 36 000 ans). L’accès, surveillé, verrouillé et codé, en est définitivement interdit au public et même les savants les plus experts ne peuvent espérer y accéder que quelques heures par jour, quelques semaines par an. C’est à l’aune de ce préambule, qu’il faut estimer le cadeau que constitue le documentaire de Werner Herzog, non seulement tourné en relief mais de surcroît filmé avec la plus grande délicatesse d’esprit.

Le relief, d’abord, puisqu’il prend avec ce film le volume supplémentaire de la nécessité : oui, c’est sans doute la première fois que la 3D prend un sens si particulier, à la fois scientifique et poétique, et une légitimité si évidente, irremplaçable, précieuse et fortement originale. Il existe en effet une affinité suprême, au goût de prédestination, entre le relief optique, dont une caméra donne l’illusion, et le relief physique des aspérités des parois de la caverne, dont les artistes du paléolithique tirent le meilleur parti dynamique. Les peintures de la préhistoire sont contextuelles aux reliefs sur lesquelles elles sont produites, et c’est cette illusion visuelle dont jouaient déjà nos ancêtres que Werner Herzog endosse et reconstitue aujourd’hui à son tour en magicien moderne. La façon dont Herzog savoure lui-même les choses vues, senties, entendues dans la grotte Chauvet est encore une fois un don à ses spectateurs. C’est nous qui savourons avec lui cette pacifique et symbolique vengeance sur l’interdit catégorique qui nous est fait de contempler en tout égoïsme notre héritage magnifique. Olivier Seguret

Le film est programmé du 7 au 20 décembre (voir grille horaires).

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CINE – MONTAGNE

Jeudi 15 décembre 20h30

En partenariat avec le Club Alpin Français (CAF La Crau en Provence)

Sherpas, les véritables héros de l'Everest
Frank Senn et Hari Thapa
Documentaire, France, Suisse, 2008
Prix du Public et L’aigle d’Or au Festival de Val d’Isère

Ce film est dédié au travail, aux difficultés et à la vie des Sherpas du Mont Everest. Il retrace l'expédition de Kari Kobler et de ses compatriotes suisses alpinistes ; il montre l'histoire des Sherpas, leurs sentiments, leurs craintes et explique ce que cela représente pour eux de travailler pour des occidentaux et les aider à atteindre le toit du monde. Tourné dans des conditions extrêmes, ce documentaire est le fruit de cinq ans de collaboration entre deux équipes suisse et népalaise. La première ayant déclaré forfait à 6000 m d'altitude, ce sont les cameramen-sherpas qui ont terminé le documentaire à plus de 7600 m, là où le manque d'oxygène met en danger la vie humaine.

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Au village, ils l’appellent «le gars», rien d’autre que le gars. Et si une femme passe par là, sac à dos et pas mal de route au compteur, au détour d’une bière partagée, elle dira juste : «Tu sais que t’es un beau gars ? Si tu veux après tu peux me baiser…» Le gars a les yeux clairs, le cheveu sec, la gueule cassée. Il est avare de mots. Ses gestes sont précis, il connaît la campagne, la chasse, les champs. Il sait relever une barrière de fils barbelés. De là, toute cette lande lui appartient. La première fois que le film nous le montre, le gars est genoux à terre, face au couchant. Sans mots, il prie. Quel Dieu, quel diable, Hors satan ne le dit pas. C’est sans doute que le film ne le sait pas et qu’il essaie d’arriver à atteindre ce lieu-là, hors religion, où le pouvoir de Dieu et le vouloir du diable se confondent.

Cosmologie. Hors satan est un film en mono (avec un son cru, un peu sale, d’une réalité incroyable), sans musique, et où s’échangent le moins de dialogues possible. C’est aussi un film de prières et d’action. Ce n’est pas parce qu’elle est silencieuse que la prière ne dit rien. C’est de la concentration pour mieux s’investir de missions : tuer, ressusciter. Faire arriver les choses là où le gars a décidé qu’elles iraient. Il n’a finalement de comptes à rendre qu’à la nature qui l’encercle. La mise en scène de Dumont s’y tient, qui fait varier très gros plans et plans lointains, Le gars fabriquant avec ce que le film lui donne (son visage contre le ciel) le cercle fermé de sa propre cosmologie. La prière du début s’explique mieux : Dumont ne la met pas là pour faire catéchèse, il la balance d’entrée de jeu pour accéder immédiatement à un état surnaturel, une folie du sacré, hors de toute institution.
Chasteté. A part ça, le gars a une petite amie. Elle est brune, coiffée gothique, masculine un peu peut-être. Triste, renfermée. Incomplète, peut-être. Leur amour forme une secte à deux. Même si elle se plaint que le gars ne la touche pas, qu’il y a cette chasteté incompréhensible entre eux, quand tant et tant d’autres voudraient y goûter : le père incestueux, la garde-chasse timide. Au gars de s’occuper d’eux : sauvagerie que rien ne vient condamner. Ni même enfreindre.

La nature n’est pas la religion : elle est sans morale. Qu’est-ce qu’un meurtre de sang-froid, tant que l’eau coule des gouttières ? Comment marche Hors satan ? Simple : un problème (faire sortir le diable de la bouche d’une enfant), une solution. Le gars prodigue du miracle comme on rend service. Ça pourrait chuter dans l’eau sale, toute cette quincaillerie de l’incroyable. Au contraire, ça passe en force. Le cinéma, c’est con et beau comme la religion, il suffit d’y croire très fort. On croit Dumont, on le suit. Les yeux grands ouverts - comme ce chien qui court tout au long du film et change de maître suivant où vont les forces. Ce qui séparera toujours le spectateur du chien, c’est que devant un tel film par exemple il ne cherche pas la caresse. Plutôt la morsure.
PHILIPPE AZOURY

RENCONTRE avec Bruno DUMONT :

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Programme du 28 septembre au 8 Novembre 2011

2011-09-23T18:20:00.003+02:00

Téléchargez le programme en pdf

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SOIREES ENVIRONNEMENT

Vendredi 7 Octobre 18h30
Halte au gaz de schiste !

En partenariat avec : Le Collectif Urgence Climatique Martigues, le Café Citoyen de Provence, Les AMAP de Martigues, Les Amis de la Terre, le Collectif 13 Stop Gaz de Schistes,les Maisons de Quartier J Pistoun et E Cotton...
Avec le soutien de la Ville de Martigues

Soirée animée par :
Michel GAIRAUD rédacteur en chef du RAVI

Joseph Fox
USA, 2011, 1h47
Festival Sundance : Prix Spécial de Jury
Oscars : Nomination Meilleur Documentaire

Les plus importantes recherches de gisements de gaz naturel sont en ce moment entreprises à travers tous les États-Unis. La société Halliburton a développé une technologie de forage, la fracturation hydraulique, qui va permettre aux États-Unis de devenir « l’Arabie Saoudite du gaz naturel ». Mais cette technique est-elle sans danger ? Lorsque le cinéaste Josh Fox reçoit une lettre l’invitant à louer ses terres pour y faire un forage, il va sillonner le pays et découvrir en chemin des secrets bien gardés, des mensonges et des toxines…
Alors qu’il est question en France d’introduire cette « technologie », un tel documentaire fait œuvre d’utilité publique. Par un retour d’expérience que l’on ne souhaiterait jamais connaître, Gasland témoigne du prix beaucoup trop élevé à payer pour une hypothétique indépendance énergétique visée par l’exploitation de ce gaz, outre l’existence des alternatives renouvelables.
Gasland montre avec force une réalité dont on a peine à croire qu’elle n’est pas fiction tant elle glace le sang. Lorsqu’il devient possible avec un briquet de mettre le feu à son eau du robinet chargée de méthane, les limites du rationnel sont bel et bien franchies.

Tarif Unique Débat/Collation/Film: 7 euros

Mardi 8 Novembre 20h30
Dans l’abîme du futur nucléaire !

En partenariat avec : Le Café Citoyen, Urgence Climatique, Les AMAP.

Soirée animée par :

Michel Gairaud rédacteur en chef du RAVI

Into Eternity
Michael Madsen
Suede, Finlande, 2011, 1h15
Grand Prix du Festival du Film d’Environnement
Grand Prix du Festival Vision du Réel

En Finlande, le projet Onkalo (caverne en finnois) prévoit l'enfouissement de déchets nucléaires au fond de kilomètres de tunnel creusés dans le granit, jusqu'à 500 mètres sous la surface de la planète. Là, les matières radioactives attendront mille siècles avant que l'on puisse les approcher sans danger.
Sur ce défi jeté au temps, le documentariste danois Michael Madsen jette un regard curieux, teinté d'humour froid. La solution d'Onkalo est présentée comme la plus sûre, plus que le retraitement plus que l'hypothèse qui revient souvent dans les discussions de comptoir d'expédier les déchets jusqu'au soleil ("et si le lanceur s'écrase ?" demande un des intervenants).
Mais elle pose des questions qui repoussent les limites de l'entendement. Comment - par exemple - communiquer avec les humains qui vivront sur Terre dans 100 000 ans ? Il suffit de s'imaginer ce que pourrait être une conversation avec un homme de Neandertal pour appréhender l'ampleur de la difficulté.
Depuis le 11 mars et l'engloutissement éphémère des réacteurs de Fukushima, cet essai intelligent et spirituel a pris un caractère d'urgence.

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PAGE BLANCHE / ECRAN NOIR

Mardi 18 Octobre 19h00

Carte Banche à Florence PAZZOTTU

La place du sujet

lecture, projection et rencontre
avec Florence Pazzottu

Une Initiative : AUTRES ET PAREILS et Cinéma Jean Renoir en partenariat avec : La MJC de Martigues et la librairie L’Alinea
Présentation : Olivier Domerg

lecture-rencontre à 19h00 / buffet / projection à 21h (entrée libre, participation au buffet de 3 €)

La place du sujet est à la fois un livre de Florence Pazzottu et de Giney Ayme publié par les éditions l’Amourier en 2007 et un documentaire de Florence Pazzottu réalisé en 2011. Sans être réductible l’un à l’autre, livre et film parlent du Panier, à Marseille, et depuis ce quartier.
La Place du Sujet. Un film de Florence Pazzottu.
Avec Alain Badiou, Son Woul Woun, Lucia Principe, Nicolo Manzolini, Yaya, Élise Touanen.

Tourné dans le centre historique de Marseille en pleine mutation, ce Panier au fort caractère mais qui, administrativement, n'existe pas, ce film interroge ce que signifie habiter (son quartier, sa ville, sa langue). Travaillé par « l'abrupt du réel », par les résonances poétiques et politiques du mot « habitation », entre exil et demeure, rénovation et expulsion, La place du sujet tisse une parole plurielle qui invite à lutter contre « la corruption de la langue par l'identité » et — comme le dit aussi dans ce film le philosophe Alain Badiou — à faire l'expérience de sa propre étrangeté.

Poète et artiste, Florence Pazzottu est née à Marseille, où elle vit actuellement. Elle a fondé à Paris la revue Petite (1995-2005) avec Christiane Veschambre et est membre du comité de rédaction d'Action poétique. Elle participe régulièrement à des lectures et festivals de poésie en France et à l’étranger. Son récit, La tête de l'Homme, a été créé au théâtre par François Rodinson à la Manufacture (CDN) de Nancy en 2009 et repris à la Maison de la poésie à Paris en 2010. Il sera recréé dans une mise en scène de l'auteur et joué les 10, 11 et 12 novembre 2011 dans le cadre des « Rencontres à l'échelle » aux Bancs publics à Marseille. En 2010-2011, elle a réalisé deux films : un documentaire, la Place du sujet et un poème-vidéo, Autrement dit en cours d'achèvement. Florence Pazzottu publie principalement aux éditions Flammarion.

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«Le Plaisir vaporeux fuira vers l’horizon / Ainsi qu’une sylphide au fond de la coulisse.» On pense souvent à l’ondulation rêveuse, crépusculaire et grandiose de Baudelaire dans ses Fleurs du Mal en s’enfonçant dans les galeries de la maison close l’Apollonide. Même sentiment d’élasticité du temps, d’apesanteur fardée et de mélancolie asphyxiante. «Ce n’est pas sans raison que Baudelaire a associé l’obsession de l’esclavage érotique et l’illumination spiritualisée, incluant le baiser, le parfum et la conversation dans la même notion d’immortalité», écrit Théodore Adorno sur le poète spleenétique. La «putain», la «femme entretenue» est livrée sans réserve au commerce légal de la prostitution dans les lourds taffetas de la maison de tolérance, mais son corps hygiénique est scellé sur un mystère qui ne se laisse pas même deviner. Si bien que les salons et les chambres de l’Apollonide sont comme les cryptes mystiques d’une révélation qui ne veut pas venir. Partout sur les murs dansent les ombres gigantesques des allégories morales, le Remords, la Colère et l’Ennui. Le temps ne s’écoule plus, il stagne, lac noir aux vaguelettes répétitives, c’est l’éternel présent du plaisir tarifé. Les nuits sont identiques, il faut se préparer, bien se laver, faire tapisserie puis ouvrir les cuisses, feindre la jouissance et finalement se frotter les lèvres à l’eau de Cologne.

Coulissantes. La maison est immense, c’est le château de Barbe-Bleue aux multiples cachots ; la maison est minuscule, une enfant détraquée y a entassé les poupées par dizaine. «Je suis fatiguée, je pourrais dormir mille ans», dit l’une des filles de l’Apollonide dès la première séquence. Dormir, ne plus se réveiller, échapper à ce destin de créature sacrifiée. Car la prostituée fin de siècle est pour le client, grand bourgeois, industriel richissime, la promesse d’une évasion hors des contraintes de sa classe, mais pour cela il lui faut encore recourir à l’exploitation. De même qu’il use et abuse de la force de travail d’une main-d’œuvre sous-payée, son temps libre il lui faut l’abolir dans l’ivresse du champagne et du coït extraconjugal.

Le film s’organise en série de scènes coulissantes et néanmoins disjointes. Tout advient ici sous la forme d’une épiphanie éphémère, chaque passe est à la fois un recommencement et une dépossession : le charme, la fête, la gaieté adviennent, brillent mais sont aussitôt corrompus. L’angoisse et le deuil bordurent les jeux, les rires, les étreintes. Apollonide ou souvenirs de la maison des morts. Où sommes-nous ? La ville bat aux portes du film sans faire de bruit, on ne la verra jamais, tout le récit est intériorisé et les déambulations des filles aux bras des clients ressemblent à s’y méprendre à un bal de spectres aux confins luxueux de quelques limbes pourpres ou verts.

Le luxe d’apparat de la maison, les beaux habits des putains masquent leur origine sociale. Une fausse égalité règne dans les échanges entre les hommes et les femmes et le libertinage n’est déjà plus qu’un simulacre de jouissance sans entrave. La condamnation bourgeoise de l’amour vénal se superpose à un désir insatiable de possession. Le film s’ouvre sur un geste atroce de défiguration (le visage de Madeleine, interprétée par la révélation Alice Barnole) qui crée un choc si violent que tout ce qui suit se déploie dans l’engourdissement du traumatisme. Un climat de décadence emporte la dernière partie, avec ses filles écroulées à même le sol, fumant l’opium, lisant les pages humiliantes d’un traité scientifique qui les traite de sous-humaines à l’idiotie congénitale, ou encore avec la victime de la syphilis, dont le corps se couvre de chancres avant de crever loin des hommes, horrifiés par la perspective d’être contaminés.

Découvert en 1997 avec Quelque chose d’organique, suivi par le Pornographe, Tiresia, De la guerre, Bertrand Bonello, né en 1968, a longtemps fait figure d’outsider élégant. L’Apollonide est un accomplissement. L’esthète, l’érotomane, le moderniste ont fini par trouver dans la maison de tolérance le laboratoire idéal pour parachever la synthèse bouleversante de leurs obsessions respectives. Il s’agit aussi de son film le plus asiatique, entre le rituel japonais du Mizoguchi de la Rue de la honte et l’entropie chinoise des querelles de courtisane du Hou Hsiao-hsien de Fleurs de Shanghai.

Le cinéaste n’a jamais été aussi libre, aussi concentré, sa virtuosité discrète explose. Il n’est plus possible de faire la part entre ce qui relève de l’accident dont la caméra baladeuse se saisit et ce qui participe de l’extrême sophistication d’une mise en scène qui ne laisse rien au hasard. Bonello ose tout : la peau des filles, une panthère sur canapé, le tintement du cristal, une baignoire de champagne, une bouche barbouillée de sang et des larmes de sperme, Michaux et les Moody Blues, le split-screen, une langue léchant le sol, l’ensemble parfondu, malaxé comme une pâte d’opium qu’on roule dans la bouche jusqu’à l’orgasme lent de la mémoire désintégrée. Chef-d’œuvre! Didier Peron

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Roméo et Juliette s’aimèrent et eurent un enfant, Adam, qui tomba malade. D’une caméra frôlante et pudique, Valérie Donzelli livre un conte sur la douleur des parents sous forme d’art poétique cinématographique et de déclaration de guerre au désespoir mou, et d’amour à la création. Espérons qu’après avoir fait les belles heures de la Semaine de la Critique et du festival Paris Cinéma, La guerre est déclarée obtienne le succès en salle qu’il mérite amplement.

On a assez reproché au cinéma français de se regarder le nombril avec trop d’insistance pour apprécier le véritable dynamitage que constitue La guerre est déclarée. L’autobiographie comporte en elle-même le germe de la digression, et constitue peut-être le genre le plus adapté à l’explosion d’un intimisme parfois trop fade, et à l’enchaînement des tentatives à l’écran. La première humilité, peut-être, le premier talent, sans doute, de Valérie Donzelli est celui de raconter un épisode douloureux de son existence sans considérer que ce dernier soit en lui-même un objet cinématographique. L’autobiographie n’a pas de valeur parce qu’elle dévoile l’intimité, mais parce qu’elle transcende cette intimité en regard, et, par là-même, au cinéma, peut se métamorphoser en une forme d’art poétique, une sorte de manifeste personnel, sans nombrilisme aucun.

On retrouve dans le deuxième film de la réalisatrice de La Reine des pommes les mêmes aspects de prime abord : un couple (Valérie Donzelli elle-même et Jérémie Elkaïm), et un côté bricolé dont la sympathie se transforme ici en mystère parfois fort déroutant que son premier film contenait déjà, n’en déplaise aux ayatollahs de la critique prompts à s’emparer des maladresses d’un premier film. Force est de constater cependant que l’aspect ludique cinématographique est bien davantage pensé et développé dans La guerre est déclarée : la photographie est bien davantage soignée, et l’on retrouve toujours l’association des références, notamment celles, évidentes, à Truffaut (les iris, la voix off, l’utilisation à contre-temps de Vivaldi) et à Demy (le jeu sur la frontière entre le parlé et le chanté). Mais elles deviennent plus légères, paraissent parfois presque inconscientes, ou mieux appréhendées.

C’est surtout dans la construction et la capacité à ébaucher des enchevêtrements de tons, de rythmes et de genres sans que ces variations ne paraissent forcées ou surplombantes que Valérie Donzelli surprend. Le premier principe qui préside au développement de la narration est la rupture : les plans ne sont jamais là où on les attend, l’humour non plus. L’essence et la réussite d’une tragi-comédie résident probablement dans sa précision : La guerre est déclarée offre tout autant de moments de pointillisme comique au travers d’un titre de journal, d’une chanson de Jacqueline Taïeb ou d’une expression maladroite, que d’envolées pures et simples. Car la légèreté n’est ni un faux semblant qui renierait l’importance d’un récit ou sa profondeur, ni une pose, mais justement un regard.

De détournements en détournements, d’asymétries en asymétries, Valérie Donzelli réussit à créer une dramaturgie naturelle qu’est celle du kaléidoscope logique sans systématisme : ne reculant devant aucune scène pouvant prêter aux explosions d’émotion factice surlignée — comme celle, surprenante, de la révélation de la maladie d’Adam, Valérie Donzelli passe son film à tenter, à oser les coupures, les ruptures, les moments de saturation visuelle et sonore, les passages volontairement écrits, les scènes courtes qui font mouche et celles où elle s’attarde un peu plus, laissant coexister une liberté certaine qui n’affiche pas d’obsession de la maîtrise, et un sens évident d’architecte et de conteuse. Si l’on peut considérer que La Reine des pommes était, peut-être faute de moyens, un premier essai parfois bancal, La guerre est déclarée en est clairement la transformation.

Ariane Beauvillard

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Le canevas est le suivant : que se passerait-il si le conclave choisissait pour pape un cardinal qui, au dernier moment, préférerait les joies simples de la vie à l’exercice terrorisant du pouvoir ? Ce serait la panique au Vatican. Ça le sera en effet, puisque le cardinal français nommé Melville (!), joué par Michel Piccoli (vous connaissez l’expression «monstre sacré» ? Elle se joue là, devant vous), une fois sa nomination annoncée, se tétanise devant la tâche, perd pied, perd mots, et s’évade comme un incapable, refuse d’assumer ses mauvaises notes et fugue un beau matin.

Habemus Papam commence comme un documentaire, avec des images prises, par d’autres, à Rome durant la longue période de funérailles de Jean Paul II. Mais à la façon dont la mise en scène embraye fissa en fiction, et à voir comment le réalisateur en profite pour égratigner la télé italienne, sbires des spectacles berlusconiens, imbéciles à micros incapables de distinguer la couleur d’une fumée et meublant leur ignorance en tout par un babil vidé de toute substance, on comprend que Habemus Papam renoue avec le Moretti de Palombella Rossa. Celui, fumasse, qui prenait le prétexte d’un match de water-polo pour dire la liquidation du communisme, et insultait déjà au passage une journaliste à coups de «Mais comment tu parles ?»

On a beaucoup vu, à Cannes, les images où des cardinaux jouent au volley-ball en soutane, des cartes postales felliniennes qui ne sont drôles qu’à l’intérieur du régime général du film, où il s’agit - comme dans Pater de Cavalier - de replacer l’homme de pouvoir là où est sa vérité : toujours un pied dehors de ses marques.

Le pape selon Moretti est un acteur, un névrosé, un sportif amateur, un imbécile au sens tragique du terme : un homme. Qui les vaut tous et que tous valent… Le schéma d’un dialogue d’attention mutuelle entre un Moretti psychanalyste et son sujet de pape Piccoli - récitant de tête la Mouette de Tchekhov mais incapable d’endosser la robe, donc le costume et le rôle qui lui est alloué - ne laisse entrevoir qu’une partie seulement du pouvoir de fascination que déploie le film : sa causticité passe-muraille.

La mise en scène, organisée comme celle d’un ballet, imprime quelque chose d’aérien, aussi bien dans les scènes tournées en studio (où furent reconstituées à l’identique certaines pièces du Vatican) que dans les plans magnifiques de Piccoli, visage collé à la vitre d’un bus roulant dans Rome la nuit et disant avec des yeux de gosse combien le monde extérieur est suffisamment beau, opaque, pour être joué en anonyme parmi les anonymes.

PHILIPPE AZOURY

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Gus Van Sant a souvent abordé l'idée de la mort : la mort comme événement contingent (être ou ne pas être sur le chemin d'un tueur fou) dans Elephant, l'accident absurde dans Paranoid Park, le suicide dans Last Days, l'imminence de la disparition, de l'évaporation, à la fin de Gerry. Restless semble vouloir continuer cette prospection en la décalant quelque peu, en proposant une vision située entre une forme de romantisme poétique et une conscience vive de ce qui oppose et rapproche cinéma et trépas.
Succinctement résumé, Restless ressemblerait à un mélodrame banal, une love story des temps actuels, l'histoire d'amour d'un couple dont l'un des éléments est menacé d'une disparition imminente. Enoch est un adolescent qui s'invite régulièrement aux cérémonies d'enterrement, satisfaisant visiblement un goût morbide pour les rituels funéraires.

On apprendra que le jeune homme tente de retrouver ce qui lui a été refusé il y a plusieurs années : assister aux obsèques de ses parents, tués dans un accident, lui-même étant alors plongé dans le coma. Mais ce garçon qui a peut-être le sentiment d'être revenu, après des semaines d'inconscience, du pays des morts, rencontre une jeune fille durant un de ces enterrements dans lesquels il s'est incrusté. Celle-ci, Annabelle, est atteinte d'un cancer, dont elle apprend vite qu'il est incurable. Tout est alors en place pour que se déroule une histoire d'amour dont le terme est forcément programmé par l'imminence du trépas.

Les jeunes gens de Restless doivent gagner du temps, plonger dans l'oubli d'une absence de futur possible, vivre dans un immédiat présent. Pourtant, l'idée de la nécessité d'une urgence frénétique est ici perpétuellement contrariée par la douceur d'un film qui semble à la fois recourir à la rhétorique invisible d'un produit de studio hollywoodien et, en même temps, éviter toute convention sentimentale, naturaliste et psychologique, être en deçà de l'hystérie qu'un tel sujet imposerait.
La question de la représentation de la mort est, par ailleurs, elle-même malicieusement posée par le film lorsque les deux protagonistes interprètent, par jeu, une scène d'agonie trop cinématographique pour être honnête mais à laquelle il est possible pour le spectateur de se laisser prendre quelques secondes.

La quête d'un divertissement permanent mais aussi l'apprivoisement de l'imaginaire pur (Enoch parle avec le fantôme d'un jeune pilote japonais kamikaze mort pendant la guerre du Pacifique, ce qui introduit subtilement l'Histoire et ses tragédies dans un récit qui ne semblait pas en faire grand cas) sont ici les marques d'un stoïcisme juvénile émouvant. Mais ce qui fait aussi le prix de Restless, qui en fera sans doute un des plus beaux films de son auteur, c'est la manière dont il dépasse le système un peu figé avec lequel Gus Van Sant inventait des silhouettes humaines.

Le jeune homme semble faire partie de ces éphèbes au dandysme buté, et peut-être inconscient, ces adolescents mâles que le cinéaste aime dépeindre. Mais, ici, le plus beau personnage est encore celui de la jeune fille, dont la vitalité constitue l'énergie profonde de ce voyage vers la fin. Et à cela, à cette peinture d'une si belle figure féminine, Gus Van Sant n'avait plus guère habitué le spectateur depuis un moment.

Jean-François Rauger

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Elle porte jogging rose et cheveux roux, et apparaît un soir pluvieux, sans sac, dans un petit hôtel du Havre ; déboussolée, ou plutôt animée par un champ magnétique propre, avec un air d’ailleurs. «Je m’appelle Fiona, je suis une fée.» Les présentations à Dom, veilleur de nuit, pour être incongrues, n’en sont pas moins rapides et efficaces ; la démonstration n’attend pas : Fiona accorde trois vœux à Dom. Lequel tombe éperdument amoureux.

Bouchon. Les précédents longs métrages de Dominique Abel, Fiona Gordon et Bruno Romy, l’Iceberg et Rumba, contaient les aventures de Dom et Fiona, alter ego fictifs de leurs concepteurs. Ici, cette rencontre aux allures de coup de foudre est le point de départ du scénario. Mais la Fée, présentée à la Quinzaine des réalisateurs, ne cède rien à la mièvrerie. Fiona et Dom sont deux êtres borderline, touchants par leur fragilité et leur détermination à être heureux, malgré les obstacles qui se dressent sur leur route. Leur maladresse, à laquelle fait écho celle de leur entourage, confine à l’absurde ; son ressort comique écarte tout accent pathétique.

Car si la Fée est un conte, c’est aussi une comédie. Le ton est burlesque, gaguesque parfois. Dom s’étouffe avec un bouchon qui s’est glissé dans son sandwich, le patron du bar l’Amour flou a deux culs de bouteille devant les yeux, et un pensionnaire de l’hôtel, célibataire anglais cleptomane, se lance à la recherche de son chien perdu. Les réalisateurs créent un univers décalé, intemporel, où l’importance accordée aux choses s’inverse parfois. «Qu’est-ce qu’un comportement normal ? Qu’est-ce que la légalité, la propriété ?» questionne Dominique Abel. Quelques éléments du conte sont bien là (prince, princesse pieds nus et scooter bleu à défaut de destrier blanc), mais nos antihéros sont loin des stéréotypes idéaux. Fiona, patiente d’un hôpital psychiatrique, s’arrange sans vergogne avec la légalité. Version féminine et illuminée d’un Robin des Bois moderne, elle pique de l’essence et troque ses médocs.

Laboratoire. Une fée ? Pourquoi pas, mais si imparfaite et aux pouvoirs si limités qu’elle se rapproche du clown. Quant à Dom, insomniaque de métier, esseulé, il souffre d’une personnalité introvertie qui le rend quasi inapte à la communication. Sans moralisme, la Fée explose le curseur de la normalité, et, tel un laboratoire d’observation de notre société, ridiculise certains de nos symboles de l’autorité, à force de caricature ou de répétition.

L’interprétation des comédiens, convaincante, flirte avec l’art du mime : leurs corps, dénudés ou déformés, offrent un infini de possibilités drôlatiques. Mais la tendresse et l’empathie avec laquelle les réalisateurs filment leurs personnages écarte la tentation parodique. La fantaisie et la charge poétique forte, nourrie par de longs plans fixes, évoquent plutôt l’univers de Jacques Tati ou Pierre Etaix. La Fée est un filtre anticynisme, un conte parfois cruel, toujours sensible, dont on aurait tort de se passer. CHRISTELLE GRANJA

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Certaines séquences d'Et maintenant on va où ? ont été tournées sous les yeux amusés et effarés de miliciens proche du Hezbollah, dans la Bekaa, qui s'étend entre Beyrouth et Damas. D'autres ont été réalisées dans la montagne chrétienne, au nord de la capitale du Liban. Tourné à l'automne 2010, Et maintenant on va où ?, présenté au Festival de Cannes, dans la section Un certain regard, est apparu comme une hirondelle cinématographique annonçant le printemps arabe.

Le second long métrage de Nadine Labaki (après Caramel, présenté en 2007 à la Quinzaine des réalisateurs) ne parle pas de multipartisme ou de liberté d'expression. A cette aune-là, le Liban n'est pas le plus mal loti des pays arabes. Et maintenant on va où ? commence par une séquence saisissante qui montre des femmes vêtues de noir, dans la poussière d'une plaine presque désertique. Elles cheminent en dansant jusqu'au cimetière. Là, le groupe homogène, la masse noire des veuves et des orphelines, se divise : les unes vont vers les croix, les autres vers les croissants.

C'est à ça, rien que ça, que Nadine Labaki a voulu se mesurer : la foi et la mort. Dans cette région du monde, on meurt encore (volontairement ou non) pour le nom du dieu qu'on invoque. De loin, dans notre Europe dont le désir de religion s'épuise comme à la fin d'un mariage interminable, on se dit que là-bas c'est ainsi, parfois avec un peu de nostalgie pour l'énergie que l'on mettait à étriper le catholique ou le protestant. La jeune réalisatrice libanaise ne veut pas tenir pour acquis ce danger permanent qui plane sur les communautés et remet en cause le fondement de la société dans laquelle elle vit. Elle a inventé un village isolé après la fin de la guerre (ni le pays ni le conflit ne sont nommés). Pour se ravitailler, il faut passer des champs de mines ; chrétiens et musulmans partagent la même pénurie, fréquentent les mêmes échoppes, le même café, la même douleur héritée de la guerre.

A ceci près que les séquelles ne sont pas les mêmes pour les hommes et pour les femmes. Les premiers sont toujours prêts à rouvrir les vieilles blessures, pendant que les mères et épouses n'ont qu'un souci : arrêter de souffrir. Si bien que lorsqu'une série d'incidents plus ou moins fortuits menacent de raviver le conflit, les femmes du village enchaînent les stratagèmes pour empêcher leurs hommes de déterrer les armes cachées après la fin du dernier épisode de guerre civile. Face à cette menace permanente, Nadine Labaki ne s'interdit aucun des moyens cinématographiques répertoriés dans l'arsenal : la comédie musicale, avec quelques numéros chantés, le drame et la comédie pure. Actrice elle-même (elle s'est attribué le rôle de la tenancière du café), elle a passé des mois à trouver des non-professionnelles pour incarner ces pacifistes pragmatiques. De vrais notables de village, des enseignantes, des commerçantes se joignent à elles pour mettre en scène les tours que jouent les femmes aux hommes afin de les empêcher de reprendre le sentier de la guerre.

Ces moyens mobilisent aussi bien la Vierge (dans sa représentation la plus sulpicienne) que l'un des produits agricoles les plus renommés du Liban, sans même parler de la troupe de danseuses post-soviétiques qui vont s'arrêter quelques jours dans le village.

Le trait est parfois un peu appuyé, le passage d'un registre à l'autre ne se fait pas toujours sans à-coups. La lourdeur et l'emphase sont en général tenues à l'écart grâce à l'élégance de l'image du chef opérateur Christophe Offenstein, à la musique de Khaled Mouzannar. Parce que les deux hommes du film, prêtre maronite et imam, sont deux figures comiques et sympathiques, on pense parfois au cinéma italien des années 1950. Mais celui-ci avait laissé la tragédie derrière lui et pouvait aller jusqu'au bout de la comédie. Au Liban, le pire reste possible et la comédie oscille perpétuellement au bord du drame le plus noir.

On ne peut en aucun cas dévoiler la fin du film, ni son mécanisme ni sa nature, sanglante ou burlesque. Il suffit de dire que la montée finale vers cette conclusion renversante finit de donner à Et maintenant on va où ? une vigueur que l'on souhaite à tous les films qui naîtront dans la région après le printemps.

Thomas Sotinel

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Avant d’être dévoilé, le dernier Philippe Garrel a fait l’objet au Lido d’un buzz inédit s’agissant du cinéaste : on allait y voir, paraît-il, Monica Bellucci nue. En Italie, une telle rumeur prend vite des proportions absurdes, dues à la valeur de l’icône, sans conteste la star du pays. La Bellucci, dans une Italie nostalgique de son grand cinéma perdu, c’est un peu la réincarnation de Sophia Loren et Ornella Muti. «C’est mon père, Maurice, qui m’avait dit que je devrais travailler avec elle, nous confiait Garrel à la sortie de sa projection de gala. Je lui ai obéi, et il avait bien raison. Dès les essais dans le rôle d’Angèle, ça a été OK. C’est une femme humble, mais je tenais à ce que son statut de star agisse comme un précipité chimique sur les autres acteurs.»

La nudité tant attendue décevra sans doute. Elle surgit dès le deuxième plan, mais sous forme d’une chaste odalisque, allongée, face caméra, muette. «J’ai suivi les conseils de Léonard de Vinci, qui recommande de se placer à une distance équivalant à deux fois la hauteur du modèle.»
Dans son motif comme sa forme, Un été brûlant fait songer au Mépris de Godard. Parce que Bellucci peut évoquer une sorte de Bardot brune contemporaine. Puis parce que le film s’attache à observer comment une relation amoureuse peut se briser sur un mot de trop, une mauvaise pensée. La toile de fond de cette déréliction est un tournage de cinéma. Enfin, une partie d’Un été brûlant se passe dans la même Rome éternelle. «Bien sûr, le Mépris est l’atome de base du film, un motif. Comme les peintres, encore une fois, on peut retravailler, chacun son tour, un sujet, par exemple l’Annonciation», dit Philippe Garrel. Dans le film, le peintre, c’est Frédéric, qu’incarne Louis Garrel, lequel n’a encore jamais été mieux filmé que par son père.

Son amour pour Angèle en danger, il préférera mourir que s’en séparer. Après avoir jeté sa voiture contre un arbre, il agonise. Au cours de l’une des scènes le plus bouleversantes du film, on voit Maurice Garrel tenter de réconforter son petit-fils, qui persiste : «Il faut que je m’en aille.» Parce que le spectateur sait que celui qui est finalement parti, c’est feu Maurice Garrel, père du cinéaste, qu’on voit ici pour la dernière fois, on a le sentiment d’assister à un miracle du cinéma, un transfert de vitalité de l’aïeul au jeune homme, par la médiation du chaînon qui les unit dans la vie comme dans le film. «Mon père était un de mes meilleurs amis.»

Un été brûlant coule au rythme d’un fleuve lourd au soleil. Les plans s’y étendent dans une volupté ambiguë, contemplative et menaçante. Plus l’été passe, plus la vie brûle. Une longue séquence de fête nocturne, filmée dans la durée d’un morceau de musique, met la puce à l’oreille : «Oui, ça m’intéresse de donner au spectateur le temps de voyager dans un même plan et d’imaginer quelle sera la trajectoire de son œil. Du centre vers le bas, puis le haut, puis de nouveau le centre…» Dans les quelques scènes de tournage dont Angèle est la star, Garrel met le cinéma en abyme. C’est un film de guerre, mais d’une guerre comme onirique. «Les rêves ont une part importante dans mon inspiration. J’ai l’habitude de les noter. Je les inclus dans mes scripts, sans les signaler comme rêves. Certains de mes films sont presque entièrement construits comme ça : Liberté la nuit par exemple.»

Délicatesse. Malgré la longue expérience et la maturité objective de Philippe Garrel, Un été brûlant vibre encore de cette sensibilité à fleur de peau qui irradiait ses premiers films, tournés adolescent. Mais là encore, on a le sentiment que cette sensibilité est redirigée vers les autres plutôt qu’absorbée par lui-même. La délicatesse avec laquelle s’expriment les visages et les corps ouvre la piste d’un nouvel âge, peut-être, pour le cinéaste. «Je travaille beaucoup l’écriture, le casting et la direction d’acteurs. Mais surtout, ce qui compte pour moi, c’est de faire en sorte qu’il n’y ait pas d’accident sur le tournage, parce que c’est à mes yeux une responsabilité directe de la mise en scène, peut-être la plus importante.»
OLIVIER SÉGURET

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Terrifiant film social brossant le portrait d’un honnête banquier brisé par un système oppresseur, De Bon Matin évite toute lourdeur pamphlétaire grâce à son parti pris en faveur de l’humain. Une réussite due également à l’intelligence de la mise en scène et à l’interprétation toute en retenue de Jean-Pierre Darroussin.
Une matinée banale. Paul Vertret enfile son costume, noue ses lacets, boucle sa serviette de cuir, rajuste sa cravate, embrasse sa femme endormie. Il sort par la porte du garage, et se rend à pied à la banque d’affaires qui l’emploie. Très calme, il déballe alors un revolver, ouvre la porte du bureau du directeur et lui tire deux balles en pleine tête. Affolé par le bruit, le jeune directeur adjoint aux dents longues surgit. Deux balles dans le dos lui rétorquent que c’était une mauvaise idée. Mais sans se départir de son calme, Paul Vertret traverse la foule des employés paniqués pour aller s’asseoir dans son bureau, penser aux circonstances qui l’ont mené à ce geste fatal.

Inspiré par un fait divers survenu en 2004, Jean-Marc Moutout réalise avec De Bon Matin un film glaçant jusqu’à l’os, extrêmement habile dans sa façon de ménager une critique acerbe, toute en pudeur et en subtilité. Car décrivant un système social destructeur, il choisit pour ce faire l’angle de l’humain ; représente, selon les termes-mêmes de Jean-Marc Moutout, la « fragmentation » d’un homme peu à peu brisé par ce qui n’était au départ qu’un simple conflit de travail. Il ne cherche pas à couvrir sa déchéance de mots inutiles : Vertret n’est pas un homme bavard et se refuse toujours à nommer les causes, rechigne à se confier à ceux qui pourraient le comprendre ou lui venir en aide. Les insultes ne sont pas patentes.

Le scénario, avec une grande intelligence, laisse s’installer dans les non-dits l’angoisse, les tensions, le mépris, les rivalités. Il décrit avec une froideur presque clinique le climat de harcèlement moral qui règne dans cette banque à laquelle Paul Vertret a consacrée sa vie et son talent. L’oppression est donc vécue dans toute sa douleur, renforcée par le contexte mis en place, effroyablement ordinaire.

De Bon Matin ne serait cependant sans doute pas aussi impressionnant si Paul Vertret n’était pas incarné avec une telle justesse par un Jean-Pierre Darroussin remarquable. Capable d’habiter l’image de sa présence, il laisse avec une parfaite maîtrise affleurer les failles qui gangrènent cet homme pourtant si solide. Bon père de famille, mari aimant, banquier doué, apprécié et respecté de sa clientèle, il se dresse face à sa hiérarchie par morale et souci d’équité. Mais derrière les éclats de voix, aucune communication ; face au psy, même quand il confie ressentir presque perpétuellement le besoin de pleurer, Vertret se tait. Droit comme un i, Darroussin ne laisse que son regard trahir le trouble inexprimable de son personnage. Toutes ses tentatives pour protester sont de toute façon avortées. Ainsi, lorsqu’il propose à une collègue licenciée abusivement de l’aider à se battre pour regagner son poste, celle-ci lui hurle de la laisser tranquille.

Poussé à bout, Vertret ne parvient plus à envisager d’autre solution que la mort de ceux qui incarnent le joug. L’image froide, les couleurs sombres, les sourires factices, la quasi-totale absence de musique en disent long sur le sentiment de déshumanisation qui écrase peu à peu un personnage dont le cadre de vie paisible ne semble même pas vraiment menacé ; en dépit de ses possibilités de rebond professionnel, Vertret est déjà socialement brisé.

Malgré tout, Jean-Marc Moutout se défend d’avoir voulu véhiculer un message de désespoir : si le système social est oppresseur, l’espérance se cache tout-de-même dans la croyance en l’humain. Il en ressort un film-choc, à méditer en ces temps de crise où l’individu semble perdre de sa valeur. Raphaëlle Chargois

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C'est l'histoire d'une superbe jeune femme au visage triste qui ôte méthodiquement son vernis dans le métro de Téhéran pour se rendre présentable aux yeux des autorités. Et de sa quête obstinée d'un visa pour partir, parce que "mieux vaut se sentir étranger dehors que dans son propre pays".
Le film "Au revoir", du cinéaste iranien Mohamed Rasoulof condamné à six ans de prison pour propagande hostile à l'égard du régime, sort le 7 septembre sur les écrans français. Il a été tourné dans des conditions acrobatiques, en semi-clandestinité.
Présenté en mai au festival de Cannes en l'absence du réalisateur assigné à résidence, il a reçu le prix de la mise en scène de la sélection parallèle, Un Certain Regard. L'épouse du cinéaste, âgé de 37 ans, était venue chercher le prix en son nom.

"Au Revoir" retrace dans un dégradé de gris et de bleu glacial, rythmé régulièrement par le bruit d'avions au décollage, les démarches d'une jeune avocate pour décrocher un visa de sortie. L'occasion de raconter la société urbaine contemporaine, le quotidien des femmes aussi, le sentiment d'oppression et d'enfermement.
Le film, tourné l'hiver dernier, a pu sortir d'Iran grâce à un réseau de complicités. Et son actrice principale, Leyla Zareh, avait pu gagner la Croisette pour le représenter.
"Ce n'est pas moi qui ai écrit le scénario, mais j'étais ravie de jouer ce rôle, de transmettre ce message", avait-elle expliqué à l'AFP, la tête à peine voilée de vert pâle.
De ce tournage pas comme les autres, elle dit garder surtout en mémoire cette "inquiétude à chaque instant qu'il (Rasoulov) soit de nouveau convoqué, ou arrêté".

Pour protéger le réalisateur, ajoutait-elle, "on a compris qu'il fallait qu'on participe tous, nous les acteurs et actrices d'Iran : certains, parmi les plus connus, sont venus même pour un tout petit rôle, juste pour le soutenir". Le tournage n'a pas été interdit, puisqu'une bonne partie des scènes se passent en extérieur dans la capitale, mais les dialogues tournés en intérieur ne correspondaient pas exactement au projet déposé initialement, indique également le distributeur du film James Velaise (Pretty Pictures), qui en a acquis les droits internationaux au printemps.

Une copie DVD avait été montrée à Thierry Frémaux, le directeur délégué du festival de Cannes, qui avait choisi de le retenir en sélection officielle et ne l'avait annoncé qu'à l'avant-veille du Festival. "Le film est arrivé d'Iran à Bruxelles dans les bagages d'une personne qui a eu la chance de ne pas être fouillée. On a eu très peu de temps pour effectuer le sous-titrage", a raconté James Velaise, qui correspondait alors avec Rasoulov par l'intérmédiaire d'une comédienne iranienne amie. Mohamed Rasoulov a été condamné à six ans de prison en décembre 2010, accusé de propagande hostile au régime pour un film dont la seule perspective a hérissé les autorités, en même temps que son compatriote et aîné, le cinéaste Jafar Panahi (50 ans). Tous deux ont fait appel et ont été assignés à résidence à Téhéran.

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En juillet 1979, la petite Albertine (Lou Alvarez, craquante de naturel) prend le train pour Saint-Malo avec ses parents, des artistes de rue un peu anar et relax, qui lui parlent déjà comme à une adulte (Eric Elmosnino et Julie Delpy). Chez la grand-mère (Bernadette Lafont, toujours épatante), la famille se retrouve au grand complet : entre les oncles ex-para aux opinions plus que douteuses (Jean-Louis Coulloc’h qu’on avait tant aimé dans L’Amant de Lady Chatterley et Denis Ménochet) et leurs femmes brimées (Valérie Bonneton et Aure Atika, parfaites dans des rôles difficiles), le jeune et fringant oncle Christian et sa femme constamment enceinte (Marc Ruchmann et la charmante Sophie Quinton de Qui a tué Bambi), les cousins un peu coincés, la tante Monique toujours de bonne humeur et son mari espagnol (Noémie Lvovsky et Candide Sanchez, top !), le grand-oncle Hubert dans la Lune (Albert Delpy, extra), Albertine retrouve vite ses marques.

Seulement, cette année, une ombre plane : le satellite américain Skylab pourrait bien heurter la Terre (Julie Delpy et Lars von Trier semblent avoir eu la même idée en même temps ! Traitée sur un ton différent, bien sûr !) Troublée par ce « grand événement » et par sa puberté naissante, la petite Albertine observe les remous qui agitent sa famille peu ordinaire.

Discours politiques violents qui virent au dialogue de sourds, jeux d’enfants, premiers émois, diverses péripéties jalonnent ces vacances bretonnes. Moins original que les deux Before sunset / Before sunrise, ou que le formidable Two days in Paris (que complètera bientôt le Two days in New York, actuellement en montage), Le Skylab dégage un charme fou, qui séduira sans problème les spectateurs.

Le casting est l’arme de choc, bien sûr. Mais l’écriture, d’une belle liberté de ton, fait du Skylab bien plus qu’un énième film choral. Cocktail explosif, le film rappelle par instants les films les plus réussis de Pascal Thomas (Pleure pas la bouche pleine ou Les maris, les femmes, les amants), avec un soupçon de Festen, un zeste de Bronzés… On rit, on sourit, devant cette madeleine de Proust qui se révèle tout sauf fade.

Si le film est aussi réussi, cela tient à la finesse d’écriture et à l’énergie des acteurs : en premier lieu, Eric Elmosnino, prodigieux de décontraction et d’un charme tout personnel !

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Dans un après-midi caniculaire du sud de la France, quatre parcours se croisent : ceux de Stéphane et Luigi, deux cousins à peine sortis de l'adolescence, de Georges, ancien ouvrier à la retraite, d'Amélie, la petite amie de Luigi, et d'Anne, la mère d'Amélie. Quatre vies quotidiennes semées de blessures, d'humiliations, de peurs et de fatigue, qui convergent vers une tragédie.

Premier film de Jean-Jacques Jauffret, autrefois assistant de Cyril Collard sur Les Nuits fauves, Après le sud traite d'un sujet qu'on a vu fleurir ici ou là dans le cinéma français ces derniers temps: l'humiliation. Ce n'est pas le fait divers, vague point de départ du film, qui intéresse Jauffret; Après le sud n'a pas un discours social pour moteur, sa tragédie s'écrit de façon plus universelle.

La première qualité du long métrage est sa main légère: le film évite toute complaisance, porte sur ses personnages un regard honnête, aimant, et on sait les risques que présentait cette structure de destins croisés, terrain de jeu privilégié de la démonstration aussi subtile qu'un coup de massue dans un panier rempli de chatons.

L'autre qualité du premier long de Jauffret réside dans son traitement visuel, belle HD à lumière blanche qui brûle l'image, cadres amples qui donnent de l'espace aux personnages, une mère qui part se faire poser un anneau gastrique, un ado pasolinien en conflit avec son père, sa copine (Adèle Haenel, repérée dans Naissance des pieuvres) à la caisse d'un supermarché pour l'été, et un vieil homme esseulé.
Lorsqu'il prend son envol quasi religieux, Après le sud confirme sa rupture avec la chronique réaliste déjà vue pour des hauteurs autrement plus stimulantes.
Nicolas Bardot

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Après la Conquête (palme du pschitt) et Pater, voici l’Exercice de l’Etat, l’autre film sur le monde politique français, coproduit par Denis Freyd et les Dardenne. Le récit se focalise sur une courte période de la vie d’un ministre des Transports, Bertrand Saint-Jean (Olivier Gourmet), centriste dans un gouvernement qu’on devine de droite libérale. Bercy lui lance dans les pattes un projet de privatisation des gares, auquel il se dit fermement opposé. Puis, de luttes intestines entre ministères et ambitieux de tous poils, Saint-Jean doit retourner sa veste et porter cette «politique de modernisation» censée endiguer une part des dépenses publiques somptuaires d’un pays soi-disant usé jusqu’à la corde.

«Le cœur du film, c’est le costume, la charge ministérielle vécue au plus près de la chair : la libido, la tension, l’insomnie, l’ivresse, les rituels et les passions que se vouent les grands serviteurs de l’Etat.»

Le film dépeint un univers de gens qui semblent ne plus savoir ce qu’ils font dès lors que l’emprise sur la réalité du pays passe par l’organisation byzantine de relais et courts-circuits successifs : études commandées pour gagner du temps, communiqués balancés pour griller le voisin, prendre l’opinion de vitesse… «Cinquante personnes sur une tête d’épingle», dit Woessner (Didier Bezace) pour décrire cet Etat dont le pouvoir n’a eu de cesse de se rétracter sur une scène toujours plus étriquée. Le tempo des coups de théâtre ministériels bat la chamade, tout advient sous la forme du fracas, de l’accident, du coup de gueule, et la méthode est toujours celle du savonnage de planche et de la promotion piégée.

A un moment donné, le ministre, qui ne quitte jamais l’appendice de son smartphone, fait défiler son annuaire : «4 000 contacts et aucun ami à qui parler.» L’ami justement, le seul, est en fait un allié, Gilles (Michel Blanc, parfait en homme de l’ombre), et sa constance maniaque dans l’art de piloter les réformes fout les jetons. Pierre Schoeller a écrit et réalisé cet Exercice de l’Etat qu’il a voulu très romanesque et, en même temps, ancré dans une expérience précise de l’action gouvernementale.

Le film a quelque chose d’impérieux et de survolté (inhabituel dans le cinéma français), opérant une synthèse rare entre excitation narrative pure et regard critique sans pitié. Il nous met en contact avec un désir de puissance, qui est aussi un trip de junkie, une recherche passionnée de la poussée d’adrénaline qui ne connaît plus de limite dès lors que la drogue est engendrée par le système lui-même. L’actualité nous le prouve tous les jours.
DIDIER PÉRON

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MELANCHOLIA

Lars von Triers

ÉTOILE DE MAÎTRE

Etait-il raisonnable d'attendre du nouveau film du Danois Lars von Trier, le prince des ténèbres du cinéma contemporain, qu'il rompe avec l'atmosphère dépressionnaire qui empoisse les écrans depuis l'ouverture du Festival de Cannes ? La réponse est non, bien entendu, et il faut de ce point de vue reconnaître à Melancholia l'honnêteté de l'annoncer dès son titre, avant de se conformer rigoureusement au programme que celui-ci induit. Un petit détour étymologique n'est d'ailleurs pas inutile pour déterminer les enjeux du film.

Dérivé du latin, et plus anciennement du grec, le terme "mélancolie" désignait dans l'Antiquité la "bile noire", dont l'excès causerait, selon la théorie des humeurs d'Hippocrate, un sentiment de profonde tristesse, associé néanmoins à la marque créatrice du génie. Cette croyance est étayée par la cosmologie de l'époque, qui associe l'état mélancolique à Saturne, planète à la fois funeste et convoitée. L'historien de l'art, Jean Clair, dans une mémorable exposition consacrée à la mélancolie en 2005 au Grand Palais, a non seulement montré l'extraordinaire fortune de ce thème dans l'histoire de l'art, mais aussi le lien électif qui existe entre mélancolie et création artistique.

Ce détour, qui risque de sonner pédant, n'est pas indispensable pour apprécier le très beau film de Lars von Trier. Disons simplement qu'il permet de mieux le mettre en perspective, à une époque qui a fini par confiner la mélancolie, sous l'influence de la psychiatrie et du productivisme, dans les champs exclusivement négatifs de la pathologie et de l'inutilité. Cela permet de comprendre, d'abord, que le recours du cinéaste au terme latin traduit un désir de revenir à l'ambiguïté initiale du terme. Cela permet de voir, ensuite, à quel point l'intrigue et l'iconographie du film sont déterminées par les croyances et les œuvres anciennes liées à la mélancolie.

L'action, dialoguée en anglais, n'est pas précisément située. Elle se déroule dans une superbe demeure dont l'immense jardin descend en pente douce vers la mer. La première partie du film porte le nom d'une de ses héroïnes, Justine (Kirsten Dunst), qui y célèbre son mariage. Si elle n'était placée sous le signe de la mélancolie, plutôt que de l'hystérie, cette partie pourrait évoquer le vaste psychodrame familial mis en scène par Thomas Vinterberg dans Festen (1998). Mais tout ici se passe à bas bruit. Les turpitudes ne sont que suggérées (la misanthropie de la mère de Justine, la lâcheté de son père, la vulgarité de son patron), regardées depuis le point aveugle de l'incompréhensible résistance de la jeune fille à la joie et au bonheur que la vie réclame d'elle à cet instant.

Hommage à la vie

Le deuxième chapitre porte le nom de sa sœur, Claire (Charlotte Gainsbourg), qui avait organisé avec son riche mari, John (Kiefer Sutherland), cette somptueuse cérémonie conclue sur la débandade générale, dont celle du jeune marié. En compagnie de Justine, recluse désormais dans une profonde torpeur dépressive, Claire, John et leur fils se préparent à observer un événement cosmique extraordinaire : le frôlement de la Terre par la planète Melancholia, géante bleue qui vient de contourner le Soleil et se rapproche à vive allure. Muni de son télescope et de sa foi dans les calculs rassurants des scientifiques, John attend l'événement avec sérénité. Claire est quant à elle terrorisée, tandis que sa sœur, Justine, appelle la catastrophe de ses vœux. Devant l'inéluctable, c'est pourtant elle qui rendra le plus fervent hommage à la vie, donnant à Lars von Trier l'opportunité d'une fin aussi terrassante dans sa beauté plastique que dans sa portée morale.

Ce film magnifique, de ceux dont la vision restera gravée en nous, témoigne une fois encore de la stupéfiante disposition de Lars von Trier à faire voir son univers à travers une expression plastique constamment inventive, constamment renouvelée. On pourrait ainsi définir son film comme un commentaire cinématographique de la célèbre gravure allégorique d'Albrecht Dürer (Melencolia, 1514) mis en mouvement par la partition en trois actes du Tristan et Isolde (1865), de Richard Wagner, le tout servant de réplique européenne à Avatar (2009), de James Cameron.

Mais Melancholia est autre chose encore, qui le rend particulièrement émouvant : la transfiguration artistique du rapport si particulier au monde de Lars von Trier en un sentiment qui soit enfin perceptible et partageable par le plus grand nombre. La fin du monde semblerait pour ce faire un viatique un peu facile, si les désastres écologiques, l'autodestructivité de l'homme et l'impuissance patente de sa science ne rendaient cette hypothèse de nouveau crédible.

Jacques Mandelbaum

Sur la polémique :
lire le dossier de CECILE DESBRUN:
L
ars von Trier, Antisémite ou Mauvais Plaisantin

En musique:

Carlos Kleiber: Tristan Prelude
July 25, 1972, Stuttgart (live)

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Programme du 10 AOUT au 27 SEPTEMBRE

2011-08-02T14:44:00.015+02:00

Renoir prog

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VENDREDI 2 SEPTEMBRE
18H30

DEUX AVANT-PREMIÈRES

En partenariat avec Les Amis de la Fête

LAÏCITÉ INCH'ALLAH!

de Nadia EL FANI

GRAND PRIX INTERNATIONAL DE LA LAÏCITÉ 2011

En présence de

NADIA EL FANI

Nadia El Fani est une courageuse défenseuse de la laïcité.
Nadia El Fani est une réalisatrice franco-tunisienne. Fille d'un des fondateurs du Parti communiste tunisien, elle vit en France depuis une dizaine d’années. Elle a notamment réalisé un documentaire sur son père et un thriller, « Bewin Hacker », dans lequel un petit génie de l'informatique pirate les satellites et brouille les chaînes télévisées européennes. En 2010, avant la révolution de jasmin, elle se lance dans la réalisation d’un documentaire "Ni Allah ni maître".

Elle y dénonce « l'hypocrisie sociale » qui règne en Tunisie. Elle souligne que "Dans un Etat où il est décrété que tout le monde appartient à la même religion, il est d'autant plus compliqué de se réclamer d'une idée et d'une pensée au mieux ignorée, au pire dénigrée et combattue". Son film se veut clairement laïque et non antireligieux. Pour mieux l'affirmer, elle change son titre pour adopter "Laïcité Inch'allah".

Une projection, le 24 avril dernier à Tunis, en clôture d’un festival de documentaires, s’est déroulée sans problème. Mais depuis la situation s’est détériorée. Les insultes se multiplient sur internet. Les réseaux sociaux véhiculent aussi bien les menaces que les manifestations de soutien. Dimanche 26 juin, une centaine de manifestants violents ont investi le cinéma Africart à Tunis où le film était projeté. Nadia El Fani maintient son engagement pour une société laïque, une société de liberté pour tous. Elle souligne que son film « est un film qui appelle à la tolérance contrairement à tout ce qu'on dit", en ajoutant que « peut être que dans le secret des urnes, les Tunisiens voteront pour la laïcité ». Le distributeur du film en France, Jour2fête, annonce la sortie du film le 21 septembre.

Une interview tronquée de l'auteur de « Ni Allah, ni maître » suscite la haine des islamistes, qui multiplient les attaques.
A chaque fois qu'elle tape son nom sur Facebook, elle découvre une nouvelle page d'appel à la haine contre elle. Le compte « Pour qu'il y ait dix millions de crachats sur la tête de cette truie chauve » a totalisé près de 35 000 « j'aime ».
En 2003, dans « Bedwin Hacker », elle avait raconté que la contestation viendrait d'Internet. Puis elle a eu envie de faire un film sur l'athéisme en terre d'islam.
C'était avant la révolution. Nadia El Fani a filmé les « résistants au ramadan », ceux qui mangent pendant la journée ou boivent de l'alcool en cachette. Elle avait été autorisée à tourner en Tunisie parce qu'officiellement il s'agissait d'un film sur les fêtes du ramadan.

Interview de Nadia El FANI :

LES NEIGES DU KILIMANDJARO

de Rober GUEDIGUIAN

L'Estaque, dans le nord de Marseille, est le terrain d'élection de Robert Guédiguian. Il y est né, il y a tourné et situé nombre de ses films, dont Dernier été (1981), son premier, chronique du désœuvrement de jeunes sans emploi, Marius et Jeannette (1997), l'histoire d'une mère élevant seule ses deux enfants, et A l'attaque ! (2000), où une famille de garagistes kidnappait un patron afin de se faire justice elle-même.
La cohérence thématique de ces contes du 16e arrondissement de Marseille se vérifie avec Les Neiges du Kilimandjaro, présenté samedi 14 mai dans la section Un certain regard du Festival de Cannes. Le film est ancré dans un site géographique cher, interprété par la tribu originelle du cinéaste (Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan), et il est le reflet d'une remise en question des combats politiques et syndicaux.

Ses personnages ont vieilli. Ils avaient 25 ans dans Dernier été, 40 ans dans Marius et Jeannette, ils ont désormais atteint la cinquantaine. Ils sont à l'âge des bilans, de la retraite, et confrontés à une jeune génération qui, à tort ou à raison, les considère comme des petits-bourgeois.

Michel et Marie-Claire sont fiers de leurs combats politiques. Michel s'autodésigne lors d'un prétendu tirage au sort organisé par la CGT qui doit entériner un plan social. Il se retrouve au chômage par solidarité. Lors d'une fête d'anniversaire, le couple se voit offrir une petite cagnotte et deux billets d'avion pour un voyage en Tanzanie. La fraternité familiale et syndicale se manifeste sur une modeste terrasse par un vin rosé glacé. Il y a dans le film un plaidoyer pour le bien-vivre collectif qui passe par le bonheur de griller des sardines sur le barbecue, le devoir de boycotter un boucher qui professe l'exclusion, ou d'aider une vieille femme impotente délaissée par sa famille.

Voilà le couple agressé peu après par deux hommes masqués qui s'emparent des billets d'avion et des cartes bancaires. Le traumatisme est d'autant plus violent que l'un des "voyous" est un jeune ouvrier licencié en même temps que Michel...

Rythmé par la rengaine de Pascal Danel, Les Neiges du Kilimandjaro est un film de gauche qui assume pleinement une veine esthétique populaire, sa naïveté, une certaine bonne conscience humaniste. On peut s'en plaindre, on peut aussi se laisser entraîner avec délice dans cette chronique d'une solidarité qui n'a d'autre ambition que de "réenchanter le monde".

Robert Guédiguian n'y déploie aucun drapeau rouge mais y cite Jean Jaurès. L'idée du film lui en est venue en relisant Les Pauvres Gens ("Il est nuit. La cabane est pauvre, mais bien close"), ce poème de Victor Hugo, dans La Légende des siècles, évoquant la mort d'une femme de pêcheur parti en mer, laissant deux enfants en bas âge. Dans Les Neiges du Kilimandjaro, passés quelques jours de révolte, un dépôt de plainte et un réflexe de violence physique, le couple dévalisé découvre que leur agresseur élevait seul ses deux petits frères, et décide d'"adopter" les gamins.

"Pour moi, dit Guédiguian, l'une des choses les plus graves dans la société actuelle est qu'il n'y a plus de conscience de classe. Il n'y a plus de "classe ouvrière", il y a des "pauvres gens". Hier, on pouvait être ensemble, avec des intérêts communs. Aujourd'hui, il y a deux peuples, l'un autochtone, salarié, syndiqué, pavillonnaire, l'autre chômeur, immigré, délinquant, banlieusard. Je veux démasquer cette imposture intellectuelle."
Il dénonce, avec sa fougue poétique, comme François Mitterrand au congrès d'Epinay, en 1971, "l'argent qui pourrit jusqu'à la conscience des hommes". Déjà, dans L'argent fait le bonheur (1993), Guédiguian lâchait : "Ne soyons pas mendiants, soyons voleurs !"

Le film a été salué par une ovation, Nanni Moretti applaudissant debout dans la salle, et les spectateurs entonnant le refrain des Neiges du Kilimandjaro.

Jean-Luc Douin

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REGARDS SUR LE CAMBODGE

Mardi 20 septembre 20h30

Dans le cadre de l’ Exposition de MICHELINE DULLIN

Regards sur le Cambodge 1958 – 1964

En partenariat avec L’association Philux

En présence de

MICHELINE DULLIN

JAMES BURNET (journaliste)

La ville de Martigues propose du 28 mai au 16 septembre un regard sur le Cambodge de la période Sihanouk, à travers les photographies de Micheline Dullin, ainsi qu’un rappel de l’horreur des années Khmers rouges grâce aux films de Rithy Panh.

Reporter officielle du Prince Sihanouk, Micheline Dullin a voyagé à travers le Cambodge. Ses clichés témoignent d’une époque heureuse et de grands chantiers en construction. Parallèlement, il y a ce que l’on pourrait nommer les « images quotidiennes » qui rendent compte d’une rencontre avec un pays et ses habitants, à travers le regard d’une artiste touchée par la grâce d’un instant, d’un regard, d’une lumière…

Au moment où les procès des hauts dirigeants khmers rouges ont lieu à Phnom Penh et rappellent au monde entier l’horreur des années 1975-1979. Les années 1950-1960 sont, comme le souligne James Burnet journaliste et ancien collaborateur du Monde, «une des clés de compréhension du drame khmer Rouge». Cette exposition espère aider à reconstruire une mémoire cambodgienne profondément détruite et émiettée.

Rithy Panh (né en 1964) est interné à l’âge de 11 ans, dans les camps khmers de réhabilitation par le travail. Quatre ans plus tard, il parvient à s’échapper et s’installe en France. Devenu réalisateur, Il a dédié la plupart de ses films à son pays d’origine, traumatisé par un génocide d’une violence extrême. Site 2, La Terre des âmes errantes, Les Gens de la rizière et Un soir après la guerre. S21, La Machine khmère rouge frappe les consciences de tous les pays.

S21 la Machine de mort Khmère rouge

Rithy Panh

France, 2003, 1h41

Vingt-cinq ans après la chute du régime khmer rouge, Rithy Panh réunit les victimes et les tortionnaires dans les lieux mêmes de l'horreur, le camp S-21. Comme entourés par des milliers de fantômes, les gestes et la peinture se mettent ici à parler plus que les mots. Deux millions d'êtres humains, de tous âges, sont morts sous le régime du Kampuchéa. Le passé est encore vivace et, dans un présent où les bourreaux croisent leurs victimes dans la rue, il est peut-être nécessaire de chercher à comprendre l'autre. Ce qui ne veut pas dire accepter et pardonner le geste, comme certains anciens dirigeants, protégés par le déni de responsabilité, veulent le faire croire en prônant l'oubli. Et bien que Rithy Panh prend soin de rappeler la spécificité de ce passé, certaines des installations aperçus dans le musée rappellent celles de Boltanski et, dès lors, on ne peut s'empêcher de penser à d'autres temps, d'autres lieux, d'autres horreurs. Qui ont eu lieu et se dérouleront encore, malgré tout ce travail néanmoins essentiel.

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Un des films les plus sombres d’Almodóvar,
mené avec une maestria confondante.

Le docteur Ledgard travaille à une manipulation génétique qu’il prend soin de ne pas révéler au corps scientifique qui l’entoure : il a transféré une souche de cochon à une souche humaine afin de créer un être dont la peau serait un revêtement aux possibilités nouvelles. Partout dans le film, l’animalité rôde. Outre cette souche porcine greffée sur le code génétique humain, le justaucorps que porte Vera lui donne des airs d’insecte sauteur (ou de mygale, comme le suggère le titre du roman de Thierry Jonquet dont est adapté le film ?). Un personnage surgit du passé dans un costume de tigre. Dans sa geôle, Vera regarde des guépards dévorer des gazelles sur la chaîne National Geographic, à l’aune d’un film où la prédation est le moteur principal et où domine une atmosphère de grand danger dans une jungle pulsionnelle et sans loi.

La piel que habito est en cela l’un des films les plus sombres d’Almodóvar, crissant dans les amours morbides qu’il dessine, horrifique dans les codes cinématographiques qu’il emprunte. Transtextuel, le cinéma d’Almodóvar l’est depuis le début. On y assemble les citations, les références, les images avec le même appétit que lorsqu’on y déplace les cloisons sexuelles. Mais rarement le corpus textuel y aura été plus homogène : Feuillade (“Nous sommes tous des vampires”, susurre Marisa Paredes), Franju (Les Yeux sans visage, Judex), Cronenberg (les scènes de chirurgie proches de Faux-Semblants)…

La monomanie du personnage central, voulant faire accoucher une femme morte d’un homme vivant, se prolonge dans la forme obsédante du film. Almodóvar y suspend son goût des mélanges, des ruptures de ton, au profit d’une tonalité ténébreuse quasi exclusive. La mise en scène tient d’un art suprême de la découpe, chaque plan tombe avec le tranchant d’un couperet. La conduite du récit est magistrale, accomplissant dans son dernier tiers une accélération foudroyante, aussi implacable et déterminée qu’une exécution.

Profondément inquiétant, glacial, le film serait cependant moins beau s’il ne se terminait par une rémission, où un peu de lien se recompose une fois encore autour d’une petite communauté de femmes. Ce délirant parcours entre les gènes et les genres se clôt ainsi par une fragile affirmation, où un personnage se présente seulement par son prénom (mais la révélation équivaut à un coup de tonnerre). Assurément, le titre ne ment pas : cette peau est vraiment très habitée.

Jean-Marc Lalanne

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MELANCHOLIA

Lars von Triers

ÉTOILE DE MAÎTRE

Sur la polémique :
lire le dossier de CECILE DESBRUN:
L
ars von Trier, Antisémite ou Mauvais Plaisantin

En musique:

Carlos Kleiber: Tristan Prelude
July 25, 1972, Stuttgart (live)

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2011-06-24T18:49:00.001+02:00

Programme à télécharger:

Horaires:

Doc Renoir New Prog]

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Pour relativiser les lectures faites par les uns et les autres de son film, Une séparation, Asghar Farhadi raconte volontiers une histoire. Un éléphant se retrouve au milieu d'une pièce pleine de gens et plongée dans l'obscurité. Tout le monde est invité à le toucher pour deviner de quoi il s'agit. Celui qui touche une patte a l'impression d'avoir affaire à la colonne d'un temple, celui qui palpe une oreille pensera à une feuille d'arbre tropical, celui qui touche sa trompe vous dira qu'il s'agit d'un saxophone. "Si on allume la lumière, tout le monde s'accorde pourtant sur le fait que c'est un éléphant."

Ils ont tous tort, et en même temps ils ont tous raison. Chacun juge en fonction de ses critères personnels, et planent toujours suffisamment d'ombres pour que le regard que l'on porte sur le monde reste partiel, subjectif, engagé. Qui peut se targuer de pouvoir proclamer la vérité, hormis un deus ex machina orchestrant l'évidence du jour après avoir joué des incertitudes de la nuit ? Certainement pas Asghar Farhadi, dont le film s'articule autour de faits que le scénario laisse longtemps et à dessein irrésolus. A deux reprises, les personnages d'Une séparation se retrouvent devant un juge et plaident à tour de rôle le bien-fondé de leur démarche. Le spectateur est invité à occuper la place de cet arbitre judiciaire et à prendre parti pour l'un puis pour l'autre. La force du film est dans sa capacité à le faire douter, lui faire plusieurs fois changer de camp au fur et à mesure que se déroule l'intrigue.

Ces deux situations soulignent l'ambiguïté du titre. Lorsque, d'abord, une femme vient réclamer un divorce et le droit d'amener sa fille de 11 ans, arrangement que son époux Nader lui refuse, il apparaît que la séparation est d'ordre conjugal. La justice déboute l'épouse qui part habiter seule ailleurs. Mais, d'un affrontement privé, Asghar Farhadi saute à un conflit social, donnant à son propos une portée beaucoup plus générale, éminemment politique. Incapable de s'occuper de son vieux père atteint de la maladie d'Alzheimer, Nader doit engager une aide-soignante. Il embauche une mère de famille dans le besoin, qui accepte ce job sans l'accord de son mari, chômeur dépressif, violent, conservateur. Cette femme, Hodjat, qui vient remplir sa tâche flanquée de sa gamine, est d'abord confrontée à un dilemme : le vieillard se pisse dessus, elle doit le changer, le laver, lui ôter son pantalon, ce qui, en regard de ses convictions religieuses et des usages qu'elles impliquent, constitue un péché.

Hodjat commet une faute : elle laisse un moment le vieux sans surveillance. Licenciée, elle revient sonner chez son employeur pour être payée de ses heures de travail. Nader, prétextant qu'elle a manqué à ses devoirs, refuse de la dédommager, la repousse sur le palier. Elle tombe dans l'escalier. Elle dépose une plainte. Nader, dit-elle, l'aurait violentée et aurait provoqué une fausse couche. C'est là que l'on se retrouve devant un juge, une seconde fois. Pour démêler l'imbroglio. Nader savait-il qu'elle était enceinte, comme elle l'affirme ? Impossible, clame-t-il, de percevoir une grossesse chez cette femme vêtue d'un tchador. A-t-il réellement provoqué la mort de ce bébé de quatre mois et demi ? Il est menacé de prison... Dès lors, de quelle "séparation" s'agit-il ? Du divorce, ô combien prégnant, entre classe aisée et classe populaire, entre traditions (superstitions, règles islamiques) et modernité (bourgeoisie, désirs d'émancipation). La femme séparée, revenue soutenir un mari dont elle espère un retour de flamme conjugale, paye la caution qui évite à Nader de se retrouver derrière les barreaux. Elle va tenter de négocier avec la femme voilée qui, de son côté, se débat entre mari revanchard et fidélité aux préceptes du Coran.

Le film observe (et dénonce) une cascade de mensonges et de petits arrangements. Dépeignant ces conflits exacerbés dans un pays où, détails symboliques de la vie quotidienne, les ordures se déversent dans les escaliers et les employés des stations-service ne rendent pas la monnaie, prenant soin de montrer que ces déchirements claniques se déroulent sous les yeux des enfants effarés, le film se clôt dans l'incertitude du dénouement.Ours d'or 2011 à Berlin, Une séparation fonctionne sur le schéma énigmatique de La Fête du feu, où Asghar Farhadi imposait à une femme de ménage un rôle de témoin dans une dispute entre ses patrons, la femme soupçonnant son mari de la tromper avec la voisine d'en face. Les juges d'Une séparation, comme l'employée de La Fête du feu, sont otages d'un suspense, invités comme nous à adopter un point de vue, puis le point de vue inverse. Asghar Farhadi use des théâtres intimes pour distiller l'idée qu'en Iran le mensonge et la manipulation se pratiquent à tous les niveaux, que les comportements que l'on y impose méritent d'être débattus, contestés.

Dissident discret mais constant, le réalisateur iranien doit jongler en permanence avec les autorités de son pays.
Sur le sort de son confrère Jafar Panahi, toujours menacé de prison par la justice iranienne, le cinéaste Asghar Farhadi, petit homme barbu de 38 ans, ne peut que répéter ce qu'il a déjà dit au festival de Berlin où Une séparation, son cinquième film, a remporté l'Ours d'or : « Tout amoureux du cinéma et de l'art en général ne peut que souhaiter que Panahi retourne derrière une caméra le plus vite possible. »

Pas facile d'interviewer un cinéaste iranien : la menace des autorités ne favorise pas les confessions. « Je ne crois pas qu'un entretien puisse me causer des problèmes », dit Asghar Farhadi. Pourtant, en avril, un débat organisé au cinéma Le Méliès, à Montreuil, où il a redit son attachement au mouvement « vert » anti-Ahmadinejad, a alerté les censeurs de son pays. Pas d'emprisonnement ni de retrait du passeport, mais des tracasseries administratives supplémentaires. Le tournage d'Une séparation avait déjà été interrompu, à l'automne 2010, non pas à cause de son sujet, mais parce que Farhadi avait un peu trop soutenu les cinéastes exilés lors d'une cérémonie officielle.
Peintre de la classe moyenne  Il reste sur le fil d'une censure arbitraire, presque aveugle. Dans son dernier roman, En censurant une histoire d'amour iranienne (1), Shahriar Mandanipour, exilé aux Etats-Unis, décrit un censeur non voyant, jugeant les films à l'oreille. « Il a existé, explique Asghar Farhadi. Il n'était pas tout à fait aveugle, mais perdait la vue chaque jour au fur et à mesure des projections. C'était malgré tout l'un des censeurs les plus instruits, les plus sensibles. Je me rappelle l'avoir croisé dans Téhéran, à l'époque de mon deuxième film [Beautiful City, qui devrait sortir en France à l'automne] : il voulait que je retire une scène où l'on voyait une femme fumer. J'avais refusé. Au moins, m'avait-il dit, tu es sincère, les autres m'auraient dit oui, mais auraient quand même gardé la scène... »

En cinq films – deux sont sortis chez nous : La Fête du feu, en 2008 ; A propos d'Elly, en 2010 –, le cinéaste s'est imposé comme le peintre d'une classe moyenne iranienne dont la vie quotidienne n'est pas si éloignée de la nôtre. Une séparation met ainsi en scène deux familles de classes sociales différentes. « L'une, modeste, attachée aux traditions, l'autre plus aisée, dont le regard est braqué vers l'avenir. En Iran, le clivage est plus culturel qu'économique. » De son propre aveu, donner dans le film les raisons des comportements de chacune des deux familles est ce qui lui a permis d'échapper à la censure.

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"Pater", film ludique et profond

Pater parle de la politique, de la parole, du pouvoir, des pères. Parfaitement.

Si on devait bricoler une catégorie conceptuelle de fortune pour définir le nouveau film de Cavalier, on dirait ceci : Pater est un grand film sur les mots en P. Le premier d’entre eux est évidemment la Politique. En décrivant l’apprentissage de la fonction ministérielle par un chef d’entreprise (Vincent Lindon), le film montre de façon très détaillée l’exercice politique. Si Cavalier prend un certain champ avec la scène politique réelle de la France de 2011, il montre la politique comme un vrai labeur, exigeant une discipline presque sportive (coaching, vie de groupe, aménagement sommaire de son lieu de travail en dortoir…).

La chose politique, ce n’est pas seulement la défense d’un Projet (ici, une loi réformant l’écart des salaires) mais aussi l’élaboration d’une stratégie pour le défendre, qui passe par le double maniement d’une Parole et d’un Protocole. La parole politique s’accouche dans la douleur. Ce sont des discours, sans cesse remaniés, rédigés en groupe, où chaque mot est questionné, dans son sens et dans ses effets. Ce sont des répétitions à voix haute. Le difficile chemin qui fait s’incarner une idée dans des mots, Cavalier en fait un spectacle haletant.
Mais la Parole n’est pas seulement Publique. Elle est aussi Privée. Ce sont les longs échanges entre un Premier ministre et son Président, une parole rouée, encadrée par un savant protocole, où pour faire ses preuves, le ministre doit donner tour à tour des gages d’indépendance et d’allégeance. Attention, un reproche formulé (“Monsieur le ministre, vous ne veillez pas assez à votre sécurité, vous n’avez pas blindé vos vitres”, dit le Président) masque toujours un reproche plus sournois (“C’est un détour ! Il s’en fout de ma sécurité, il veut me dire que je crois que tout va bien entre nous, mais quand même il va me montrer sa voix quand il n’est pas content, juste pour me dérouter un peu”, commente le ministre à un proche).

Ces jeux complexes sur la parole, ce protocole raffiné (scandé par des dégustations de mets succulents et de grands vins – on est en France) ont un moteur : le Pouvoir. Là, le film devient retors. En doublant la fiction d’un faux making-of par lequel on voit Alain Cavalier et Vincent Lindon répéter, construire à pas lents le film en train de se faire, Pater pointe différents lieux de pouvoir. Au sommet de la pyramide, il y a l’affrontement des professionnels du pouvoir (le Président, son ministre). A la base, c’est toute interaction entre deux sujets qui met en place des rapports de pouvoir. Par exemple celle d’un acteur et d’un cinéaste, à l’écran dans leur propre rôle.
On sait qu’Alain Cavalier a organisé son oeuvre pour se libérer très tôt des jeux de pouvoir propres à l’industrie du cinéma : ni tournage, ni stars, ni équipe. Accueillir Vincent Lindon dans son cinéma de chambre, c’est faire un pas vers le pouvoir d’attraction du vedettariat mais en tâchant cette fois de le plier à ses règles drastiques (ce que fait Lindon avec une disponibilité et un enthousiasme sans faille).

Pourtant, même dans cette microéconomie, au sein de cet exemplaire contrat de confiance, s’immisce un peu de lutte pour le pouvoir. Dans une scène très drôle, où la part de fiction demeure incertaine, Vincent Lindon se plaint, mais avec humour, des petites trahisons du cinéaste qui excite la jalousie de son comédien en chérissant subitement un de ses amis, également à l’écran et dont le rôle ne cesse de croître.

Le pouvoir en définitive, c’est toujours le père ; et le film s’est choisi pour titre Pater, plutôt que, par exemple, “Le Président”. Une figure paternelle archaïque donc, exprimée en latin. Le modus operandi de la transmission paternelle, ses phases successives d’apprentissage et de confrontation, le film en fait une affaire exclusivement masculine. A rebours du réalisme, aucune femme politique ne travaille dans cet entourage ministériel. Seule silhouette féminine, sans même de visage, une jeune femme allongée auprès du ministre dans son lit (sa femme ? sa maîtresse ?).
Pater n’est pas seulement un film d’hommes, c’est aussi un film de petits garçons. Des gamins qui jouent à diriger le monde, se déguisent, se sont organisés un espace totalement forclos et régressif.
En dépit de son confinement (entre soi, quasiment qu’en intérieurs), le film respire. C’est même le film le plus ouvert qu’on ait vu ces derniers temps. Et ce par la grâce d’un dispositif, pourtant très simple, moins théorique que poétique. On pourrait le résumer ainsi : Pater montre simultanément un Président qui se re-présente (aux élections) et un cinéaste qui se représente (dans son activité de grand filmeur). Qu’est-ce que représenter ? C’est toujours un petit miracle. Et le pari de Cavalier est de le prouver en réduisant à l’absolu minimum les conditions de production de ce miracle. Il ne faut presque rien (un bureau, un costume, une Légion d’honneur) pour que les personnages consistent, qu’on marche dans l’histoire. Pourtant, on ne cesse d’entrer et de sortir ; le réalisateur, l’acteur et leurs personnages ne cessent d’échanger leur place.

Pour traiter de ce trouble de la représentation, Vincent Lindon est l’acteur idéal. Outre ses très grandes qualités de comédien, son charme ici vraiment irrésistible, il y a chez lui un particularisme qui touche le cœur du film. Ce particularisme, ce sont les tics faciaux qui l’agitent dans la vie mais qui disparaissent quand il joue. Sauf qu’ici, ce très sûr indicateur, qui ne clignote que lorsque la fiction s’éteint, se détraque, pris dans le vertige qu’organise le film. Le visage du comédien tressaille, indifféremment, qu’il soit Vincent Lindon ou le Premier ministre. Car entre la fiction et son envers, le film fait l’expérience géniale de la plus fine cloison.

Jean-Marc Lalanne

Pater d'Alain Cavalier est un film qui se joue, jusqu'au vertige, des frontières entre documentaire et fiction, vérité et simulation, spontanéité et préparation. Un film qui pose mille et une questions à ses spectateurs.
Cela rend d'autant plus précieuse la divulgation de ce document de travail inédit qu'est la note d'intention du cinéaste, rédigée en cours de préparation du film. A défaut d'un scénario, dont l'écriture ne s'adapte pas à la méthode d'Alain Cavalier, ces "dix commandements" apprennent beaucoup sur la genèse et sur la philosophie de l'œuvre.
Jacques Mandelbaum

Pater
1
Dieu le père, d'abord.
Enseigné au pensionnat religieux.
Par des prêtres que j'appelais : "Mon père".

Mon père biologique.
Dans mon adolescence,
Je le regarde exercer son pouvoir
Sur sa femme, sur mon frère et moi,
Sur ceux qui travaillent à ses ordres.

Mon père est Directeur des finances de la Tunisie
Sous le Protectorat français.
De Gaulle a quitté le pouvoir et voyage.
- Alors que faites-vous ici ? demande-t-il à mon père.
- Mon général, nous faisons tout pour garder ce pays à la France
- Et bien, vous avez tort.

Quatre ans après, ce pays accède à l'indépendance.

Pater
2
Je commence à faire des films.
L'affrontement des clans irréconciliables.
L'argent lourd.
Le matériel encombrant.
La force des comédiens aimés du public.
J'analyse. Je ruse, je cherche. J'essaye ;
L'invention de la caméra vidéo fissure les pouvoirs,
Je me sens plus libre,
Grâce à la présence de mon producteur Michel Seydoux.

Mon père meurt.
Sans une vraie réconciliation entre nous deux.
Je l'ai entendu plusieurs fois crier :
- J'aurais pu être Président de la République !

J'ai respecté son courage d'aveugle, de paralysé.
Aujourd'hui, je vois bien dans les miroirs
Que je deviens son clone à toute vitesse.
Ai-je comprimé tout ce qu'il a déposé en moi
A cause du jugement que je portais sur lui ?

Pater
3
Je rencontre un homme que j'estime.
Vincent Lindon, comédien.
Il m'attire.
Mais je ne veux pas reprendre mon ancien métier de directeur d'acteurs.
Je ne filme que des personnes et plus des personnages.
Nous parlons dans des bars d'hôtel.
Nous aimons ces lieux de passage.
Un après-midi, en buvant un verre de Bordeaux,
Je le contemple avec plaisir.
J'ai une certitude : c'est mon fils.
Je suis son père.
J'accepte mon père et moi, enfin réunis.
Quelques minutes de bonheur.

Pater
4
Je déterre un vieux projet qui me poursuit.
Le récit de l'enfant prodigue dans les Evangiles.
Un père a deux fils qui travaillent avec lui.
Las de son autorité, avide de liberté,
Le cadet demande sa part d'héritage.
Il court le monde.
Il claque tout.
Il revient, se met à genoux devant le père, demande pardon,
Le père ordonne une fête pour célébrer ce retour.
Le fils aîné se met en colère.
- J'ai travaillé dur et tu dépenses de l'argent pour ce vaurien !
Le père dit - Il était parti. Il est revenu.

Pater
5
Je vais voir Vincent Lindon à Calais.
Il y tourne un film.
Il est maître-nageur.
Il entraîne un jeune immigré clandestin entre la France et l'Angleterre.
Nous calons un accord :
faire un film ensemble.
Un film autour de nous deux : lui, comédien, moi, filmeur.
Ca pourra durer un an.
Nous tournerons à ses jours de libres.
Dans sa chambre d'hôtel, nous nous filmons
chacun avec ma caméra,
affirmant notre pacte.
C'est ce que nous faisons ensemble de plus important
depuis que nous nous connaissons.
Je ne lui parle même pas de l'enfant prodigue.
Je sais seulement que cette histoire
ne sera pas celle du film
Mais que le film baignera en elle.

Pater
6
J'ai toujours été un grand amateur
de récits autobiographiques.
Surtout écrits par ceux qui nous gouvernent.
Et cela depuis La Guerre des Gaules de Jules César
que je traduisais au collège.
Je préfère encore plus
Les comptes-rendus de leurs collaborateurs
qui les ont observés.
Je partage avec Vincent la joie devant un détail
qu'aucune n'aurait pu saisir dans la vie
car il s'agit de l'intimité invisible et libre du pouvoir.
Je partage avec lui aussi
ce goût du geste juste, particulier, qui tue le cliché.
Au fil des mois, Vincent ne va-t-il pas se lasser ?
Je ne propose encore rien de précis.
Je me contente de conversations.
Sans perspectives cinématographiques.
C'est à ce moment que le fantôme de mon père
me prend la main et m'entraîne
Là où je dois aller avec Vincent.

Pater
7
Au bar de l'hôtel Meurice, rue de Rivoli,
je propose à Vincent une structure pour notre film :
nous nous filmons tous les deux
dans notre vie courante.
Et sous l'oeil du spectateur,
Nous nous transformons régulièrement
et selon les circonstances
en personnages de fiction
avant de revenir à nos affaires du jour.

La fiction est la suivante :
Cavalier est Président de la République
Il est usé par un combat sans fin
pour satisfaire sa passion du pouvoir
et son obsession de réduire les inégalités.
Il propose à Lindon d'être son Premier Ministre.
Quelques réformes aboutissent.
Quelques batailles se gagnent.
L'énergie du Président décline.
L'étoile du Premier Ministre grandit.
On le pousse à se présenter aux présidentielles.
Il hésite... il cède. Il pose sa candidature.
Remonté par la trahison de son "fils",
le Président part à l'assaut d'un deuxième mandat.
Il est battu.
Le Premier Ministre prend sa place.
Leurs femmes sont ravies.
Sauf le fils du Premier Ministre.

Pater
8
Toujours dans la fiction,
après le scrutin,
l'ex-président passe son temps libre
à visiter son vieux père.
Ils profitent l'un de l'autre.
Le père dit à son fils une phrase
Que le père de Cavalier a réellement prononcée :
- Je me suis réconcilié avec Dieu.
- Et avec toi-même, lui répond Cavalier-Président.

Cette séquence sera mise en chantier en fin de tournage
Dans quel état d'esprit serons-nous à ce moment,
Vincent et moi ?
Tout est imprévisible. Tout est possible.
Même que Cavalier joue son propre père.
Même que Lindon soit Cavalier en fils...

Pater
9
Pour le film,
Les emprunts sont faits
à un grand nombre de politiques
de tous les temps.
Il n'y a aucun modèle précis.
Aucune représentation du pouvoir
comme au journal télévisé
comme dans les documentaires
comme dans les films et téléfilms.
Seulement deux être humains,
Lindon et Cavalier
Qui "imaginent" la volonté de puissance
et la proposent à un troisième :
le spectateur.
Ensemble, nous pouvons jouer au grand jeu
violent et drôle
d'avoir un double compensatoire,
vénérable
et piétinable,
puis de revenir à nous-mêmes,
peut-être plus informés de notre véritable nature.

Pater
10
Ce film n'a pas de but politique apparent.
Il sous-entend que nous sommes
autant une communauté de terriens
que les enfants de notre village.
C'est vivre plus grand et plus difficile.
Ce film est au plus près
de Vincent Lindon et d'Alain Cavalier.
Sa vitalité à lui,
sa curiosité,
son humour.
Mon passé à moi,
mon ironie devant l'avenir,
ma confiance dans le cinéma.
Demandons à Dieu, uniquement celui de la bonté,
Que tout cela soit réuni dans notre ouvrage.

Alain Cavalier, 2010.

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BONNES VACANCES A TOUS
et
HEUREUSES SÉANCES
AU CINÉMA JEAN RENOIR

N'oubliez pas de visiter
l'Espace Cinéma Prosper GNIDZAZ

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2011-05-21T17:23:00.002+02:00

Programme du:
25 Mai au 28 Juin 2011

Programme téléchargeable PDF

Doc Renoir New Prog 8P

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CINE BISTRO PHILO

Jeudi 26 Mai 18h30

Gare à la Bête

Partenariat MJC / médiathèque Louis Aragon / Renoir / librairie L’Alinéa / Vladimir Biaggi

Animé par
Vladimir BIAGGI

Le poulpe, sous toutes ses formes, est dégusté sur les rives de la Méditerranée et bien au-delà ! Comment passe-t-on du poulpe à la pieuvre ? La pieuvre : la bête, le monstre -forme et informe - habite les fonds marins et hante les grands thémes romanesques (de Victor Hugo à Jules Verne), mais aussi le cinéma, les arts plastiques, la bande dessinée, la vie sociale (les mafias, les nouveaux réseaux médiatiques...) et politique (la pieuvre alors est aussi bien stalinienne que fasciste, jésuite et islamiste etc.). Ce bistrot-philo (animé par Vladimir Biaggi auteur de "Poulpes, seiches et calmars ; mythes et gastronomie" éd. Jeanne Laffitte) tentera de cerner les métamorphoses de la pieuvre pour examiner la bête dans tous ses états en nous interrogeant sur l'état de ce mythe.

FILM SURPRISE

Indices :

La première signification du titre est organisme vivant qui héberge un parasite. Compris ainsi, ce titre donne l'impression que le film traite de quelque chose de biologique ou de mutation. L'autre sens de ce mot personne qui offre l'hospitalité, suggère la signification sociopolitique du film.

Tarif débat, buffet, film : 8 € - 7 € (adhérents)

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Cinéma et Histoire

Mardi 7 Juin 20h30

La jeunesse au cœur de l’Histoire

En partenariat avec la Ligue des Droits de l’Homme

Sophie Scholl
les derniers jours

Marc Rothemund
Allemagne, 2006, 2h00
Avec : Julia Jentsch, Alexander Held…
Berlin 2005 : Ours d'argent du Meilleur réalisateur, Meilleure actrice et Prix du Jury œcuménique
A Munich, le 18 février 1943, Sophie Scholl et son frère Hans sèment dans les couloirs d'une université des centaines de tracts dénonçant la stratégie apocalyptique de Hitler et la mort de milliers de jeunes Allemands sacrifiés à Stalingrad. Une opération risquée, mais joyeuse et pleine d'espoir, du groupuscule secret que ces deux « résistants de l'intérieur » ont fondé avec un autre étudiant, La Rose blanche. Le trio est arrêté, jugé et condamné à mort. Le 22 février, Sophie Scholl est décapitée.

A 21 ans.C'est toute la violence de ce destin que fait surgir le cinéaste Marc Rothemund, mais aussi sa force admirable. Grâce à des archives accessibles depuis quelques années seulement, ce jeune cinéaste allemand a pu donner une place centrale à l'interrogatoire de Sophie Scholl mené par la Gestapo. Il fait ainsi vivement résonner la voix de son héroïne, son combat, son courage, dans une mise en scène dépouillée.

La ROSE BLANCHE :

Dossier de Presse :

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CINE DEBAT JEUDI 16 JUIN 20H30
En partenariat avec
l’Association France Amérique Latine
Débat animé par
Jean-Marie PAOLI

Carlos César Abélaez
Colombie, 2010,1h33

La Pradera - Un village dans la Cordillère des Andes en Colombie… Manuel a un vieux ballon avec lequel il joue chaque jour au football avec les garçons de son âge. Pour ses 9 ans, Ernesto, son père, lui offre un nouveau ballon et une paire de gants de gardien de but. Un jour, Manuel et Julian, son copain de toujours, envoient le ballon sur un champ de mines par inadvertance. Malgré le danger, toute la bande de gamins décide d’aller le récupérer coûte que coûte… Derrière les jeux d’enfants, les signes d’un conflit armé gangrènent la vie quotidienne, la plupart des habitants étant poussés inexorablement à quitter les lieux.

Tourné avec des acteurs non professionnels, "Les Couleurs de la montagne" décline avec
modestie l'art de peindre l'irrespirable sans imposer l'horreur plein cadre. La tyrannie quotidienne est ici suggérée à hauteur de pinceaux d'enfants. Le Monde

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REGARDS SUR LE CAMBODGE

Vendredi 24 JUIN 20h30

Dans le cadre de l’ Exposition de
MICHELINE DULLIN
Regards sur le Cambodge 1958 – 1964

En partenariat avec L’association Philux et les Editions Images en Manoeuvre

En présence de
MICHELINE DULLIN
et de
HOC PHENG CHHAY
Président du Comité des Victimes des Khmers Rouges

Micheline Dumoulin dit Dullin (née en 1927) reporter officielle du Prince Sihanouk, a voyagé à travers le Cambodge. Ses clichés témoignent d’une époque heureuse et de grands chantiers en construction. Parallèlement, il y a ce que l’on pourrait nommer les « images quotidiennes» qui rendent compte d’une rencontre avec un pays et ses habitants, à travers le regard d’une artiste touchée par la grâce d’un instant, d’un regard, d’une lumière... Micheline Dullin vit actuellement à Martigues.

Rithy Panh (né en 1964) est interné à l’âge de 11 ans, dans les camps khmers de réhabilitation par le travail. Quatre ans plus tard, il parvient à s’échapper et s’installe en France. Devenu réalisateur, Il a dédié la plupart de ses films à son pays d’origine, traumatisé par un génocide d’une violence extrême. Site 2, La Terre des âmes errantes, Les Gens de la rizière et Un soir après la guerre. S21, La Machine khmère rouge frappe les consciences de tous les pays. En 2005, Rithy Panh réalise Les Artistes du théâtre brûlé puis Le Papier ne peut pas envelopper la braise sur le sort des femmes prostituées au Cambodge. Rithy Panh se consacre au Centre Bophana "Centre de Ressources Audiovisuelles", qui permettra aux cambodgiens de consulter les archives collectées sur le Cambodge.

Les Artistes du théâtre brûlé 
Rithy Panh (France-Cambodge, 2005, 1h25)

Les acteurs évoluent dans les décombres d'un théâtre de Phnom Penh. Leur vie, leur mémoire, leur histoire, leur être même s'emparent du film, avec la complicité active d'un cinéaste qui est des leurs. Rithy Panh s'est engagé dans une œuvre de construction mémorielle par le cinéma, là où les hommes politiques ont jusqu'à présent échoué à élaborer un récit commun sur le génocide cambodgien. Les Artistes du théâtre brûlé, rappelle que cette mémoire se construit aussi sur une scène, par la mise en jeu des corps. Interprétation du réel et documentaire s'entremêlent lorsque Rithy Panh en arrive à la question de la mémoire. Comme dans S21 où il demandait aux anciens bourreaux de mimer leurs gestes quotidiens de tortionnaires, il demande maintenant à une ancienne prisonnière de situer les lieux de ses tortures sur une maquette d'architecte ou de scénographe. Le lieu vidé ou représenté aide la mécanique de la mémoire à se remettre en marche, alors que, seule, la parole est amnésique. Thérapeutique dans ses procédés, le cinéma de Rithy Panh est absolument salutaire.

Centre Bophana :

L'absence: À travers le regard de sa famille restée au Cambodge, le réalisateur franco-khmer nous emmène sur un parcours chargé d’émotions. Trente ans après le départ de son père, il découvre un autre Cambodge profondément marqué par son histoire. Ces témoignages décrivent un pays de contradictions qui se tourne vers l’avenir.

Festival Cinémekong (Phnom Penh), Festival International du Film d'Amiens (FIFA), Festival Filmer à tout prix (Bruxelles), Festival du Film de Famille (Annonay), Coup de coeur à la Péniche cinéma (Paris - La villette) Une production du centre Bophana avec l'aide de Rithy Panh

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Cannes, c’est chaque année une extension du domaine de la vulgarité, du luxe autosatisfait, des vigiles veillant à la bonne séparation des riches oisifs et des badauds du tiers état, de la mentalité open bar et des zombis enterrés sous des tonnes de capsules Nespresso. Mais tout ce merdier peut soudain se mettre à graviter comme une déchetterie cosmique en orbite autour d’un astre pur, filant sa trajectoire dans la cathédrale brisée du Palais du festival.

Au bout de dix minutes de projection matinale de The Tree of Life, les pupilles dilatées, on sait qu’on s’en souviendra toute sa vie. Ce n’est évidemment pas un film comme les autres, et Terrence Malick est devenu, depuis la mort de Kubrick, le seul cinéaste ayant fondé son royaume altier et solitaire, farouchement mutique et inaccessible aux médias. Nul mieux que lui ne peut occuper la place de l’artiste barbu et ténébreux capable d’arracher aux studios la plus totale liberté d’action, et les moyens considérables pour parvenir à ses fins.
Un an de recherche sur les effets spéciaux, 10 000 garçons auditionnés pour trouver le trio des frères occupant la partie fifties du récit, deux ans de montage (avec cinq chefs monteurs !), annoncé à Cannes en 2010 puis retiré à la dernière minute parce que pas prêt, The Tree of Life transporte avec lui sa légende de fresque poétique grandiose mais aussi de casse-tête maudit et de prière impossible à écrire ou proférer.

Amplitude des pôles. Malick a des ambitions pour le cinéma qui ne coïncident pas forcément avec l’idée que l’on s’en fait aujourd’hui, où des formes plus simplement rêveuses d’un Apichatpong Weerasethakul ou expérimentales brutes du dernier Lynch suffisent à étancher notre soif de sublime. Chez lui, l’amplitude des pôles entre lesquels son inspiration entend naviguer n’a cessé d’augmenter de film en film : les voix les plus intérieures et l’oeil le plus transcendant, l’hypersensibilité perceptive aux moindres nuances du monde ambiant, le plus charnel, le plus lumineux, et des poussées de delirium tremens métaphysique où le cinéaste semble entrer en contact direct avec le big-bang et/ou dieu en personne.

(…)Le film se situe bien sur deux époques, les années 50, avec Brad Pitt, et les années 2000, avec Sean Penn. Ce dernier n’était pas à la conférence de presse, il est difficile de savoir si son personnage a été raboté au fil des remontages successifs, mais le fait est que sa partie est réduite à la portion congrue tandis que le film s’attarde sur les relations conflictuelles dans une petite ville du Texas entre O’Brien (Pitt) et ses trois fils dont l’un meurt bientôt, noyé.

Ex-officier aux méthodes d’éducations rigides, O’Brien entend endurcir ses rejetons sous l’oeil timoré de son épouse (Jessica Chastain). Il ambitionnait une carrière de grand musicien et a fini simple cadre. Son volontarisme carriériste dans l’Amérique conquérante de l’époque est contrebalancé par le jugement négatif de son ainé, Jack. On voit monter la haine dans le regard bleu-sombre de l’enfant, qui découvre avec ses amis le plaisir de la destruction et la désobéissance.

Rhapsodie. Comme toujours chez l’auteur des Moissons du ciel et du Nouveau Monde, le style de la chronique est entièrement retravaillé pour lui donner une inflexion élégiaque. Les événements anodins, les cris, la joie des jeux, le tragique de l’accident, la répétition des repas, les échappées frondeuses : tout advient et disparaît comme une récapitulation éternisée. On pense aux techniques narratives de Tolstoï, avec lequel Malick partage un certain mysticisme et une aura de gourou.

Comme dans Anna Karénine, les personnages sont plongés dans un clair-obscur vibrant, chaleureux et menaçant. Nous entendons, à la faveur de l’omniscience du créateur, leurs questionnements intérieurs (et ici, la rhapsodie des voix off est somptueuse), mais nous touchons aussi du doigt le mystère profond de leur destin guidé par quelque chose de plus grand qu’eux. Le regard se porte au cœur des entrailles vives, file hagard à travers les grottes du temps et s’échoue aux bords d’un abîme pulvérulent, où images et sons n’ont plus lieu d’être.

Depuis toujours, chaque plan de Malick est un capteur branché sur des forces telluriques, divines, verticales. Mais jamais il n’avait encore franchi le pas d’une représentation littérale de cet au-delà inhumain. Aidé par Douglas Trumbull, auteur des effets spéciaux de 2001, il plonge le spectateur dans un long bain sidéral, mélangeant prises de vue réelles (cascades, volcans, vues sous-marines…) et bidouillage de peintres post-Dali de l’ère iMac : «On a utilisé des produits chimiques, de la peinture, des teintures fluorescentes, de la fumée, des liquides, du dioxyde de carbone…» explique Trumbull dans le dossier de presse. (…) Peu importe, la tambouille philosophique phosphorescente de Malick n’a jamais été ce qu’il y avait de bouleversant chez lui. Non, c’est bien une fois encore la confiance totale, intransigeante et jupitérienne dans l’acte de filmer à perdre haleine, versant l’un dans l’autre tels deux philtres noirs les univers visibles et invisibles jusqu’au point d’éblouissement final. DIDIER PÉRON

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On sait très peu de choses de Terrence Malick, qui s'est toujours entouré de mystère. Après des études très brillantes à la célèbre université de Harvard, il entame une carrière de journaliste et travaille notamment pour Life et le New Yorker. Attiré par le cinéma, il intègre le Centre d'Etude Avancées de l'American Film Institut, où il rencontre George Stevens Jr. et Mike Medavoy qui lui confie la réécriture du scénario de L'inspecteur Harry. Cette entreprise qui ne donnera rien au final lui fait sauter le pas de la réalisation. Il a alors 28 ans.

Son premier film, La balade sauvage (1974), est unanimement salué par la critique qui dira même que c’est le "film le plus maîtrisé depuis le Citizen Kane d' Orson Welles". Il y met en scène de nouveaux talents comme Martin Sheen et Sissy Spacek.

Quatre ans plus tard, il signe un chef-d’œuvre avec Les Moissons du ciel, qui révèlera le jeune Richard Gere. Ensuite c’est le silence radio : Terrence Mallick s’exile et se terre dans le mutisme le plus total, un silence qui durera... 20 ans.
On raconte ça et là qu’il aurait participé au scénario de Will Hunting, mais son retour est officiel en 1999 avec La Ligne Rouge, film adapté du roman de James Jones, et dont le casting donne le vertige : Sean Penn, Woody Harrelson, George Clooney, Adrien Brody, Nick Nolte, John Travolta, Jim Caviezel...

Déception pourtant, la sortie du Il faut sauver le soldat Ryan de Steven Spielberg au même moment eclipsant le nouveau film de Malick. Il faut attendre encore sept ans pour voir de nouveau un film du réalisateur, avec Le Nouveau monde, mettant en vedette Colin Farrell.

Fidèle à sa culture du secret, Terrence Malick ne laisse pas filtrer grand chose de son projet suivant, Tree of Life, réunissant à l'écran Brad Pitt et Sean Penn, attendu pendant deux ans, changeant régulièrement de synopsis - de l'épopée cosmique embrassent toute l'histoire humaine au parcours du jeune Jack découvrant les affres de la vie en passant par l'animation de dinosaures. Espéré à Cannes en 2010, il est finalement prêt pour l'édition 2011 où il remporte la Palme d'Or.

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Programme du 20 Avril au 24 Mai 2011

2011-04-15T09:14:00.000+02:00

Cliquez pour télécharger le programme

Doc renoir prog

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Un film à la tension constante, marqué du sceau de l'exigence visuelle et questionnant constamment les limites du spectateur. Une oeuvre majeure et indispensable. Une expérience Hypnotique !

Essential Killing

Jerzy Skolimowski

Pologne, France, 2010, 1h23

Avec : Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner

VENISE 2010 : Prix Spécial du Jury,

Prix d’interprétation masculine

Capturé par les forces américaines en Afghanistan, Mohammed est envoyé dans un centre de détention tenu secret.  Lors d’un transfert, il réchappe d’un accident et se retrouve en fuite dans une forêt inconnue.  Traqué sans relâche par une armée sans existence officielle, Mohammed fera tout pour assurer sa survie.

Jerzy Skolimovski est sans doute le cinéaste le plus insaisissable de la planète. Tout comme Roman Polanski, son vieux compère de l'école de Lodz, c'est un exilé en puissance qui à chaque film remet tout en jeu.

On pourrait trouver inexplicable la discrétion dans laquelle est tenu le cinéma de Jerzy Skolimowski : c’est facilement l’un des meilleurs cinéastes au monde, et depuis longtemps, mais son nom n’apparaît pratiquement jamais sur la short-list, tacite ou subliminale, du meilleur goût cinéphile mondial.

Quand Skolimowski prend sa caméra, c’est vraiment pour de bon et il est totalement incapable d’en faire autre chose que du très grand cinéma. Et voilà à peu près cinquante ans que ça dure. Essential Killing est un film à propos duquel l’adjectif «radical» a quelque chose de chochotte et petit pied. Faisons tout de même avec, car l’idée de radicalité a le grand avantage d’être polysémique : elle fait autant résonner l’esthétique que le politique et renvoie aussi bien à des propriétés physiques que morales.

Enorme bloc cristallin mais glacé, le film est en effet une forme radicale exprimant un fond qui ne l’est pas moins. Avec quelques images qui ne sont pas des informations mais qui font écho très précisément à ce que «les informations», depuis dix ans, nous inculquent, Jerzy Skolimowski expose son unique sujet : un torturé s’échappe, un prisonnier détale, un taliban s’enfuit, un homme sauve sa peau. Les procédures de la torture sont celles de Guantánamo. Le décor évoque la montagne afghane. Ce fugitif se trouve être Vincent Gallo, mais si on ne l’avait préalablement su, on ne pourrait prétendre l’avoir reconnu.

Histoire, géographie : les données d’Essential Killing ne sont pas floues, elles sont génialement codées, réduites à leur signe. Tout est d’ailleurs ainsi transmis directement par les vibrations de l’écran, dans l’explicite muet et éblouissant : ne rien savoir est une excellente condition pour tout ressentir de ce qui se passe. Accroché à cette trajectoire de survie, filante comme l’éclair, d’une détermination cruelle comme leur superbe absence de sentiments le permet aux animaux, le film parvient à fondre dans le même rayon lumineux un geste de haute rage artistique et une vocifération humaine.

Diable jaillissant. Sans presque un mot, se succèdent toutes les étapes d’une aventure à l’incroyable force primitive. Ce «héros» est homme, bête et par-dessus tout guerrier, une personnification de celui partout tenu pour «ennemi» et qui va très chèrement défendre sa peau. Il sera également le motif agissant de cette inoubliable peinture : un diable jaillissant du bois pour téter vitalement le sein opulent d’une jeune mère effrayée. Comme cette scène, comme ce personnage, comme ce film, Jerzy Skolimowski occupe la place explosive de l’extrémisme. Comme eux, il est peut-être le dernier des cinéastes indomptés.

Ce que déplace Essential Killing ne tient pas seulement à l’idéologie. C’est aussi une affaire de cinéma. Avec une maestria époustouflante, Skolimowski emprunte au cinéma américain spectaculaire son vocabulaire le plus commun. Il choisit la figure la plus emblématique du cinéma d’action, la poursuite, mais il la dilate, l’anamorphose, en fait le corps entier du film.
Et ce faisant, le film accouche de son contraire. Skolimowski parvient au même effet que Gus Van Sant dans Gerry – l’abstraction, la stase narrative – mais par des moyens absolument opposés. L’accélération frénétique plutôt que le ralenti et le vide, mais pour un résultat finalement identique.
Cette appropriation d’un genre (le survival), d’un code (l’image-action), pour leur faire accoucher de leur contraire, à savoir une pure image-temps, spirituelle et poétique, c’est sûrement le plus essentiel des meurtres qu’accomplit dans un éblouissement Essential Killing.

L'homme est la somme de ses actes (Independencia)

(cliquez sur l'image)

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NOUS, PRINCESSES DE CLEVES

Mardi 3 mai 20h30
séance en présence de
REGIS SAUDER

Cela aurait pu être un documentaire social de plus, un film sur l'école comme la France les aime tant. Tourné au lycée Diderot, dans les quartiers nord de Marseille, Nous, princesses de Clèves scelle la rencontre entre la culture classique et la culture des cités autour du roman qui lui donne son titre. Et puis, en 2006, le candidat à l'élection présidentielle Nicolas Sarkozy a dit qu'il était absurde d'inscrire le texte de La Princesse de Clèves (1678), de Mme de La Fayette, au programme d'un concours administratif. Militant de fait contre ces propos, le film est le résultat d'une expérience imaginée par un groupe d'adultes pétris d'idéaux humanistes qui ont proposé à leurs élèves de l'étudier, de le jouer, de s'en emparer. A partir de ce point de départ, qui aurait pu donner lieu à une version documentaire de L'Esquive (2002), d'Abdelatif Kéchiche, le film gagne vite en épaisseur et en autonomie.

Dès les premières minutes, qui montrent des adolescents face à la caméra récitant des passages du texte, on comprend que le réalisateur ne va pas se contenter d'interroger le rapport de ces jeunes issus de milieux défavorisés au "premier grand roman moderne de la littérature française". La manière extrêmement tendre, caressante que Régis Sauder a d'éclairer et de cadrer les lycéens, les fait exister d'emblée avec une intensité saisissante. En quelques plans, il suscite chez le spectateur une profonde empathie, que ce soit pour cette jeune fille, partagée entre son fiancé et un autre garçon qu'elle "fréquente", qui s'identifie pleinement à la princesse, pour cette autre qui évoque, avec un abattage phénoménal, son passé de "Blackgothique", ou pour ce garçon qui se reconnaît dans les qualités de gentilhomme du prince de Clèves...

Le film commence de manière assez légère en saisissant comment les adolescents trouvent des échos entre le texte et leur propre vie. "J'ai changé mon statut Facebook. Je suis passé de "en couple" à "c'est compliqué", à "célibataire", dit l'un d'eux en riant, en écho au désordre amoureux dépeint dans le roman. A force de suivre les allées et venues des étudiants entre le lycée, l'appartement familial et les lieux où ils se retrouvent, le ton se fait plus grave et le texte devient un viatique, une boussole dans le chaos de ces jeunes existences. La mise à distance qu'il permet libère paradoxalement une parole très intime, tant chez les lycéens que chez leurs parents. Elle permet au film de dépasser les clichés sur les problèmes des cités, pour appréhender de manière inédite, souvent bouleversante, les effets sur les individus de la stigmatisation et de l'isolement propres à ces quartiers. La parole qui circule a beau être portée par la fougue de la jeunesse, il y a, chez tous les personnages, un moment où l'élan se casse, où la douleur éclate.

Le pari que réussit le film est double. D'abord faire exister ce groupe de jeunes gens jugés indignes d'apprécier la littérature classique alors qu'ils se prennent de passion pour un de ses textes majeurs. Ensuite, composer avec les histoires de chacun le portrait d'une France remplie de zones d'exclusion et dont la culture serait le signe le moins remarqué et le plus signifiant.
L'épisode consacré au voyage scolaire à Paris, au Louvre et à la Bibliothèque nationale de France, est édifiant de ce point de vue, comme l'est la réflexion lucide qu'il provoque chez les élèves sur leur rapport à la culture, la manière dont ils en ont toujours été tenus à l'écart aussi bien par l'institution scolaire que par des parents trop intimidés pour s'aventurer dans un théâtre ou un musée.

Alors que les lycéens qu'ils filment s'appropriaient La Princesse de Clèves comme une nouvelle grille de lecture du monde, le réalisateur a eu la belle intuition de faire du texte même la matrice de sa mise en scène. Non seulement les extraits que récitent, que lisent, que jouent ses personnages, lui donnent sa tonalité mélancolique, sa musicalité subtile, mais ils lui insufflent une belle dynamique par tout un système de jeux de miroirs : la cour d'Henri II, où se nouent les intrigues, renvoie à la cour du lycée ; la structure en spirale du texte qui enserre la princesse de Clèves fait écho à celle du film où les aspirations des jeunes gens se cognent contre les murs de la pauvreté, de la religion, ou d'une fumeuse tradition familiale...
Ce n'est pas parce que Régis Sauder les met sur le même plan que la princesse, qu'ils sont si beaux, que leurs rêves semblent si purs, c'est parce qu'il les met en scène comme des héros de tragédie classique. Isabelle Regnier

Régis SAUDER est un réalisateur français qui a tourné de nombreux documentaires ces sept dernières années, en collaboration avec les chaînes nationales françaises. Il est notamment l'auteur de Passeurs de vie, un documentaire autour de la question du don d'organes et des problématiques que cela peut supposer, vu à travers le quotidien d'une infirmière, et qui a remporté en 2003 le premier prix du festival du Film d'Angers.

Il réalise en 2008 L'année prochaine à Jérusalem, à propos de la création de l'état d'Israël, en revenant sur les traces d'un camp de transit basé à Marseille, et en 2009 Je t'emmène à Alger, sur la ville qu'il avait imaginé enfant à travers les récits de sa grand-mère qui y avait vécu, deux documentaires produits par Les Films du Tambour de Soie.
En 2010, il décide de filmer un atelier de jeunes lycéens marseillais qui s'approprient le roman de La Princesse De Clèves.

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COMMEMORATION DE
L’ABOLITION DE L’ESCLAVAGE
Jeudi 5 Mai 18h30
En partenariat avec La Ville de Martigues

Films/Débat/Buffet

En présence (sous réserve)
du réalisateur Daniel GRANDCLEMENT

Les Enfants perdus de M’Bour
Un documentaire de Daniel Grandclément.

À M’Bour, un port situé au sud de Dakar, au Sénégal, des bandes d’enfants miséreux aident au déchargement du poisson… Ce sont des talibés. Agés de 5 à 13 ou 14 ans, ils ont été confiés par leurs parents à des marabouts, chargés de la totalité de leur éducation scolaire et religieuse. En fait, ils consacrent la majeure partie de leur temps à la mendicité. Pire, quelques maîtres les utilisent pour récupérer de l’argent et les battent quand les sommes récoltées sont insuffisantes

Même la pluie
Iciar bollain
Espagne, 2010, 1h43

Menée par Sebastián, un jeune réalisateur, et Costa, son producteur, une équipe de cinéma espagnole s’installe à Cochabamba, en Bolivie pour y tourner, à moindre coût, un film sur Christophe Colomb. Mais la population locale a d’autres soucis en tête : elle s’inquiète de la privatisation de son eau potable au profit d’une multinationale américaine.

Le discours anticapitaliste de Même la pluie se double d’une mise en abyme très habile. Sebastián et ses acteurs espagnols (particulièrement ceux qui doivent interpréter Bartolomé de Las Casas et Antonio de Montesinos, soit les premiers opposants à l’esclavage et au génocide des Amérindiens) rivalisent de beaux discours anticolonialistes, mais restent longtemps aveugles aux problèmes bien contemporains que rencontrent les descendants des victimes auxquels leur film entend rendre hommage. Bollaín se moquent ainsi de l’humanisme en pantoufles et du paternalisme de certains Occidentaux, et mettent subtilement en rapport les oppressions d’hier et celles d’aujourd’hui.

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L'ART MODIFIE NOTRE REGARD

11, 12, 13 MAI 2011 à 20H30

Séances suivit de débats animés par des intervenantS
et d’une rencontre autour d’un verre.

Poetry
Lee Chang-Dong
Corée du Sud, 2010, 2h19
Cannes 2010 : Prix du Scénario

Dans une petite ville de Corée, Mija est une grand-mère qui soigne son apparence et ne déteste pas la fantaisie. Elle s'occupe de son petit-fils, Wook, qui avale ses repas les yeux fixés sur la télévision. Soucieuse de porter sur la vie un autre regard, Mija, s'inscrit à un cours de poésie. Jusqu'au jour où ses voisins lui apprennent qu'il s'est passé quelque chose de grave au collège… Poetry est un film aussi léger que puissant. Il effleure, il cogne. Comme les plus grands poèmes, ce film nous laisse à jamais l'empreinte de sa bouleversante délicatesse

Les Plages d’Agnes
Agnès Varda, France, 2008, 1h50

Dans ce documentaire, Agnès Varda livre avec légèreté et sensibilité le témoignage de sa vie mouvementée où l'art et l'amour tiennent une place prépondérante. « Si on ouvrait les gens, on trouverait des paysages. Moi, si on m'ouvrait, on trouverait des plages. » À 80 ans tout rond, Agnès Varda donne une formidable leçon de jeunesse. Elle avance à reculons vers son passé et revisite, avec une fraîcheur et une émotion insensées, quelques pages éparses de sa vie.

Les Rêves dansants, sur les pas de Pina Bausch
Anne Linsel, Rainer Hoffmann
Allemagne, 2010, 1h30

En 2008, Pina Bausch, quelques mois avant sa mort, décide de reprendre son fameux spectacle Kontakthof, non plus avec sa troupe, mais avec des adolescents de 14 à 18 ans qui ne sont jamais montés sur scène et n'ont jamais dansé…
On mesure peu ce que ce formidable travail collectif apporte à chacun jusque dans le plus intime de sa vie et combien ce labeur de toute une année peut être une formidable machine à épanouir, à décoincer, à forcer les barrages.Le talent des réalisateurs est de nous intéresser constamment aux personnes tout en nous donnant à sentir la progression de l'œuvre, jusqu'à la maitrise finale, où chacun, prenant de l'assurance s'épanouit, se pose dans le groupe jusqu'à lui donner une harmonieuse cohérence.

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CINE BISTROT PHILO

Jeudi 19 mai 18h30

LA DESOBEISSANCE CIVILE

Partenariat MJC / médiathèque Louis Aragon /
Renoir / librairie L’Alinéa / Vladimir Biaggi

Débat avec les philosophes
Benoît SPINOSA et Vladimir BIAGGI

La désobéissance civile évoque tout ensemble les figures d’Antigone, de Socrate et, plus récemment de Zola, ou encore d’Henry Thoreau (1817-1862) qui, ayant refusé de payer ses impôts pour protester contre la guerre au Mexique, passa une nuit en prison. Voici sept traits constitutifs de la désobéissance civile que nous aborderons lors de cette rencontre : 1. Une infraction consciente et intentionnelle d’une règle de droit positif. 2. Elle se traduit par une attitude publique. 3. Elle s’inscrit dans un mouvement collectif. 4. Elle utilise des moyens généralement pacifiques. 5. Les protagonistes assument les sanctions auxquelles ils s’exposent. 6. Elle poursuit des fins innovatrices. 7. Elle fait appel à des principes éthiques.

MOURIR? PLUTOT CREVER ! de Stephane Mercurio
Avec : Siné, Isabelle Alonso, Guy Bedos…

Portrait lucide d’un dessinateur engagé, rebelle avec causes qui, à quatre-vingts ans, toujours aussi vivace, ne lâche rien. La cinéaste (auteur de : À côté, Hôpital au bord de la crise de nerfs, Cherche avenir avec toit) consacre un film à son père Maurice Sinet dit Siné. Le titre du film vaut épitaphe sur la concession collective du cimetière Montmartre que se réservent l’impétrant et quelques comparses. Ainsi s’entament les fragments assemblés d’un parcours humain singulier. Il se bouclera, ou presque, avec l’édification sur le caveau du monument qui lui convient, soit un immense bras d’honneur en faux bronze véritable. Entre les deux épisodes, un Siné vivant et vivace, noble artisan du dessin politique comme arme de combat.

Tarif débat, buffet, film : 8 € - 7 € (adhérents)

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PINA
WIM WENDERS

Hommage superbe du cinéaste allemand
à sa compatriote disparue en 2009, la chorégraphe Pina Bausch.

Rencontre entre deux monstres sacrés de la culture allemande. Pina Bausch, décédée en 2009, était l’une des plus grandes chorégraphes du monde. Wim Wenders, lui, porta dans les années 70 les plus grands espoirs d’un cinéma moderne européen sous influence américaine, avant de glisser inexorablement vers une démonétisation artistique aussi impressionnante que mystérieuse.

Cet hommage à l’art de Pina Bausch est peut-être la meilleure réalisation du cinéaste depuis Les Ailes du désir, en tout cas son film le plus sobre et le moins ampoulé, du moins à l’échelle Wenders.

Le grand mérite du cinéaste est d’avoir su s’effacer (pas complètement, on y reviendra) derrière son sujet. Pina est essentiellement constitué de larges extraits de spectacles de la chorégraphe (Le Sacre du printemps, Café Müller, Kontakthof, Vollmond…), envolées de corps, de gestes, de mouvements collectifs, de musiques et de rythmes absolument saisissantes, y compris pour un spectateur peu familier des spectacles de danse.

Difficile de résister à cette expression totale des corps et des visages, à cet art qui tient aussi de la sculpture, du théâtre, de l’opéra, du sport, d’autant que Wenders ne monte pas saccadé, mais laisse les chorégraphies s’épanouir. Les différents numéros sont entrelardés d’interviews des danseurs dont les propos, tour à tour instructifs et émouvants, complètent le portrait de l’artiste.

Le cinéaste a éprouvé le besoin de sortir les danseurs de la scène, de les faire évoluer dans les décors naturels de Wuppertal et ses environs. Pourquoi pas ? En même temps, cela tient du gadget, peut-être d’une peur d’ennuyer, d’un manque de confiance dans le dispositif scénique. Après tout, les danses sont aussi belles et fortes dans le contexte dénudé de la scène, et peut-être même plus, puisqu’une chorégraphie contribue à sculpter l’espace, à suggérer le décor environnant.

L’usage de la 3D ne semble pas non plus indispensable. Certes, il est bon qu’une innovation technologique ne soit pas réservée uniquement aux superproductions. Mais affirmer que la 3D convient obligatoirement à l’art en trois dimensions qu’est la danse ne relève-t-il pas de l’idée reçue ? Partant de ce principe, tous les films devraient être en 3D, puisqu’un “réalisme complet” supposerait trois dimensions. Or dans Pina, la 3D ne semble là que pour souligner des effets de profondeur de champ qui seraient visibles de la même façon en prises de vues classiques.

Pina rend justice au travail d’une artiste majeure et à une discipline magnifique que l’on croit à tort réservée aux spécialistes. De ce point de vue, Pina est aussi une sorte d’anti-Black Swan.
Serge Kaganski

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THE MUSIC PICTURE SHOW

Le Lycée Jean Lurçat et
le Cinéma Renoir
avec le soutien de
la DRAC PACA
présentent

Carte Blanche aux Lycéens
de l'Option Cinéma
du Lycée LURCAT
de Martigues

Samedi 21 Mai
de 14h00 à Minuit

14h30 : Les Runaways
Floria Sigismondi, USA, 2010, 1h46
Dans un premier film à la vraie personnalité, Floria Sigismondi retrace l’histoire des Runaways,
l’un des premiers groupes Rock de filles. Ebouriffant.

17h00 : Good morning England
Richard Curtis, Grande-Bretagne, 2009, 2h15
En 1966, en plein âge d’or de la pop britannique, la BBC ne diffusait en tout et pour tout que deux heures de rock par semaine. Cependant, une radio pirate émettait du rock et de la pop depuis la haute mer 24 heures sur 24, rassemblant chaque jour plus de 25 millions d’auditeurs - plus de la moitié de la population de la Grande-Bretagne...

19h15 : Buffet

20h30 : August Rush
Kristen Sheridan, USA, 2007, 1h53
Le jour où il découvre son talent inné pour la musique, August y voit le moyen de retrouver ceux qui l'ont mis au monde : il est sûr que ses parents, s'ils entendent la symphonie qu'il a composée pour eux, sauront le reconnaître au travers de sa musique... Après quasiment deux heures et la petite larme coulée, on est content de savoir que la musique est le moteur de la vie. Music is all et all is music.

23h00 : Interstella 5555
Film d’animation musical
Leiji Matsumoto, France, Japon, 2003,1h07
Quatre musiciens d’une autre galaxie sont kidnappés par un manager maléfique qui veut en faire le plus grand groupe sur terre. Quand la musique des français de Daft Punk rencontre les dessins de Leiji Matsumuto.

Restauration sur place préparée par les élèves du Lycée Professionnel Privé Brise Lames.

Pass 4 films + restauration = 15 euros 1 Film 4 euros Restauration 4 euros Prévente des pass au cinéma Jean Renoir et à l'administration du Renoir du 13 au 20 mai Tel : 04 42 44 32 21

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Programme du 9 Mars au 19 Avril 2011

2011-03-04T14:56:00.004+01:00

Programme téléchargeable
(cliquez pour voir la totalité du programme)

Cliquez pour agrandir

FESTIVAL

REGARD de FEMMES 2011

Du 9 au 13 Mars

En partenariat avec les Maisons de Quartiers et La Ville de Martigues

Cette 4ème édition met un accent particulier sur les différentes formes que revêt la mue de la jeune fille pour passer à l’état d’adulte au féminin. Cette proposition permettra une approche sensible des réalités d’un monde en pleine mutation où la place de la femme est toujours remise en question, et où le spectateur pourra à la fois s’interroger sur la femme en devenir et le devenir de la femme.

Tarif unique : 4 euros

Mercredi 9 Mars 14h00
Ciné goûter
LE VOYAGE DE CHIHIRO
Film d’animation d’Hayao Miyazaki Japon, 2002, 2h02
En partenariat avec les Enfants de cinéma a partir de 9 ans.
Intervenant : Nathalie GUIMARD, Fotokino Marseille.
Le Voyage de Chihiro est un poème en prose, une épopée foisonnante, un conte philosophique, une oeuvre beaucoup plus ambitieuse qu'un simple roman d'apprentissage destiné à la jeunesse

Mercredi 9 Mars 17h30
NO ET MOI
Zabou Breitman, France, 2009, 1h45
Avec : Zabou Breitman, Bernard Campan, Nina Rodriguez
Intervenants : Educateur de prévention spécialisé ADDAP 13, Mme A. MOREL et M. A. MADIOUNI Chef de service à l’AMPTA.
Le film charme d'emblée avec ses personnages à la fois contrastés, lucides et mus d'espoirs fous, défendus par des acteurs justes et volontiers drôles.

Jeudi 10 Mars 14h00
JAFFA
Karen Yedaya, France, Israël, Allemagne, 2009, 1h45
Avec : Dany Ivgy, Mahmud Shalaby, Ronit Elkabetz
Intervenant : M. Gérard NEYRAND, professeur de sociologie à Toulouse et Directeur du CIMERSS à Bouc Bel Air
Beau et déchirant comme Roméo et Juliette, Jaffa laisse intelligemment le spectateur être l'arbitre de ce drame populaire.

Vendredi 11 Mars 18h30
SAMIA
Philippe Faucon, France, 2000, 1h13
Avec : Lynda Benahouda, Nadia El Koutei, Kheira Oualhaci
En partenariat avec la Cinémathèque Française et Cinémas du Sud
Dans le cadre de Rebelles au Cinéma
Intervenant : Gabrielle SEBIRE, adjointe à la direction du service pédagogique de la Cinémathèque Française.
Avec la présence exceptionnelle de Sonia CHAMKHI, réalisatrice et romancière tunisienne.
Sobre mais sensible ; futé mais jamais démonstratif ; dépourvu de toute scène inutile, le film offre un secouant portrait de groupe de filles (jeunes et moins) en lutte pour se libérer de tous les jougs

Samedi 12 Mars 16h30
FISH TANK
Andréa Arnold, Grande-Bretagne, 2009, 2h02
Avec : Katie Jarvis, Kirston Waring, Michael Fassbender
Intervenant : Mme S. MILLAR, professeur d’anglais à l’UMTL, M. Jean-Marie PAOLI, Historien
Une chronique sociale originale sur la confusion des sentiments et les errements existentiels d'une ado attachante et perdue.

Samedi 12 Mars 20h30
D’AMOUR ET D’EAU FRAICHE
Isabelle Czajka, France, 2010, 1h30
Avec : Pio Marmai, Anaïs Demoustier, Laurent Poitreneaux
Intervenants : Mme R. HAMZAOUI, directrice de l’association pour l’insertion et l’emploi du pays de Martigues-Côte Bleue, éducateur de prévention spécialisé ADDAP 13
Portrait effroyablement juste d'une jeunesse confrontée à la crise, le film s'inscrit dans cette veine naturaliste du cinéma d'auteur français qui excelle à capter les états d'âme de ses protagonistes.

Dimanche 13 Mars 16h00
NANNERL, LA SOEUR DE MOZART
René Féret France, 2010, 2h00
Avec : Marie Féret, Marc Barbé, Delphine Chuillot
En présence de Réné FERET, réalisateur et de Marie FERET comédienne.
Très loin des pompes en usage dans ce genre de reconstitution, le film met en oeuvre un minimalisme distancié et une justesse des sentiments qui emportent avec grâce la conviction.

Vendredi 11 Mars 15h30
Dans le cadre du
Festival Regard de Femmes

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REBELLES AU CINEMA
En partenariat avec
La Cinémathèque Française et Cinémas du Sud
Mardi 29 Mars 20h30
Animée par Pierre GABASTON
Auteur de :
Rebelle sur Grand Ecran (Editions Actes Sud)

A bout de Souffle

Jean Luc Godard
1960 Copie restaurée

C’est l’histoire d’un type qui passe d’une bagnole à l’autre et finit sa course à pied. C’est l’histoire d’une fille qui passe d’une robe à l’autre mais garde sa coupe de cheveux jusqu’au bout. C’est un polar qui se transforme en film sentimental puis redevient polar. C’est un film sentimental qui se fait trouer par le polar. C’est une histoire d’amour entre une fille indécise et un type déterminé. C’est l’histoire d’un type qui, dès qu’il s’arrête de courir, meurt. C’est l’histoire d’un type qui dit : Si vous n’aimez pas la mer... Si vous n’aimez pas la montagne... Si vous n’aimez pas la ville : allez vous faire foutre ! C’est une question de vie ou de mort. C’est le cinéma qui sort de ses gonds.

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SEMAINE DE
L’EDUCATION PUBLIQUE
Dans le cadre de la Semaine pour l’école publique organisée par le Collectif de Défense des Services Publics avec le soutien de la Ville de Martigues :
Rencontre-Débat
avec des collégiens et lycéens –
modérateur Caroline LIPS journaliste.

Mercredi 16 Mars à 19h00
Rencontre - Buffet – Film
(Tarif unique : 4 euros)

Entre les murs
Laurent Cantet

France, 2008, 2h00
Avec : François Begaudeau et les élèves du Collège Françoise Dolto Paris 20eme.
Cannes 2008 : Palme d’Or

Chambre d'écho des questions, malaises, dilemmes et combats qui agitent le monde depuis plusieurs années en matière d'éducation, d'identité, de culture, d'intégration, Entre les murs arbore comme rarement une palette d'émotions, il est à la fois ou tour à tour grave, subtil, incisif, perturbateur, drôle, poignant.
Histoire d'une année scolaire, condensée en deux heures, donc réduite à ses moments de tensions, de crises ou d'instants signifiants. Histoire d'un pédagogue adulte, de tempérament optimiste, confronté à la jeunesse, à l'imprévu, à l'intolérance, à l'ingratitude, aux difficultés de la communication, aux fossés dialectiques, au choc des cultures, aux pièges du dérapage, aux risques du métier, à la solitude.
Dans le cadre de cette école de la République, lieu de mixité sociale, caisse de résonance des problèmes d'immigration, de sans-papiers, ces questions, et les rapports de pouvoir et de résistance à l'autorité qu'elles sous-entendent, les élèves et leurs parents se les posent aussi. Dans Entre les murs, la difficulté à être ensemble, à se comprendre et à refuser la résignation sans provoquer la violence et l'exclusion, est vécue des deux côtés de l'estrade. Somptueusement, Cantet filme la guerre de la parole. D'un côté l'enseigner, savoir riposter, répliquer dans l'instant, gérer l'instant où ça coince, de l'autre avoir le droit de la prendre. Jean-Luc douin

François BEGAUDEAU :

Dossier sur le FILM:

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L’AGRICULTURE EN QUESTIONS
Jeudi 17 Mars à 18h30
En partenariat avec les AMAP, A tout Bio, et Le Ravi (revue satirique)
Avec le soutien du Café Citoyen de Provence
Animé par
Michel Gairaud du "Ravi"
En présence des AMAP
et de
Georges Gomis, agriculteur militant

Débat suivi d’un buffet et de la projection de :

Le Temps des Grâces

Dominique Marchais
France, 2010, 2h00

Une enquête documentaire sur le monde agricole français aujourd'hui, à travers de nombreux récits : agriculteurs, chercheurs, fonctionnaires, écrivains... Un monde qui parvient à résister aux bouleversements qui le frappent - économiques, scientifiques, sociaux - et qui, bon gré mal gré, continue d'entretenir les liens entre générations. Un monde au centre d'interrogations majeures sur l'avenir.

Le Temps des grâces dépasse le démontage savant des rouages industriels, se porte au-delà de cette vue synoptique sur les choses pour former une puissante dialectique. Vous y entrez par un petit bout : la crise des petites exploitations agricoles en France. De là, une vaste et passionnante opération de dépliage se produit, qui embrasse dans un même mouvement l'histoire, la géopolitique, la science, l'urbanisme, questionnant de manière neuve, à la fois globale et extrêmement précise, le monde dans lequel nous vivons aujourd'hui.

Jean-Sébastien Chauvin Cahiers du Cinéma.

S’il y a un film de l’année 2010 à voir et à revoir, c’est bien Le Temps des grâces, premier long métrage de Dominique Marchais qui a modifié durablement notre regard sur les paysages, dont il interroge en profondeur la dimension historique, politique, esthétique et affective.
Cette enquête sur l’agriculture élabore un cheminement de la pensée dense et passionnant auquel le cinéma ne nous invite que trop rarement à participer.

Sur le papier, le programme peut sembler chargé, pourtant on ne voit pas le temps passer tant l’accumulation et la diversité des propos recueillis procèdent d’un mouvement clair, intelligent et stimulant.
Le film met en perspective différentes couches d’un vaste problème, les fait dialoguer et met en relief non seulement le lien évident qui les unit mais aussi la nécessité de cette mise en relation.

Il est donc tout autant question des différentes pratiques agricoles que de leur évolution, des transformations parfois désastreuses et irrémédiables du paysage qui en découlent, du lien entre l’appauvrissement des sols, le poids des lobbies, l’économie et le temps.
Marchais se met entièrement au service de son sujet, sans tomber dans les travers des documentaires coup de poing dans lesquels les auteurs donnent souvent l’impression de détenir une vérité dont ils cherchent à fabriquer les preuves. Pas de coquetteries formalistes non plus sur le dos du sujet.

Quand le temps des grâces advient, dans des plans de bocages traversés par un calme infini, la mélancolie est authentique et nullement décorative. S’impose alors à la pensée une référence, un horizon vibrant et poétique : un temps hors du temps, celui des origines, avec lequel le monde en marche ferait bien de composer.

Dans cette vidéo-entretien, le réalisateur Dominique Marchais commente un plan de son nouveau film: Le Temps des grâces.

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PASSEUR DE MEMOIRE
En partenariat avec la Médiathèque Louis Aragon
Vendredi 25 Mars à 20h30

Rencontre avec

Maurice RAJSFUS
et
Frédéric GOLDBRONN

L’AN PROCHAIN LA REVOLUTION
Un film de Frédéric Goldbronn
L'an prochain la révolution, c'est le cri d'espérance des prolétaires du Yiddishland de la première moitié du 20ème siècle, un rêve qui s'achève pour les parents de Maurice Rajsfus dans le cauchemar des camps d'extermination. Cet espoir, Maurice Rajsfus n'a eu de cesse de le faire vivre, tant au travers de ses engagements militants contre le fascisme, le colonialisme, le racisme et la répression policière, que dans la cinquantaine d'ouvrages qu'il a publiés.

Frédéric Goldbronn accompagne Maurice Rajsfus sur les traces de cette mémoire.
Le film entrecroise l'histoire personnelle de l'écrivain et celle du cinéaste, deux enfants d'Aubervilliers nés à trente ans d'intervalle, mais là où l'aîné souffre d'un excès de réminiscences, le "petit" se trouve confronté au blanc de l'absence, des non-dits et des traces effacées.

Fils de parents juifs polonais arrivés en France au début des années 1920, il est arrêté, en 1942 avec ses parents, lors de la rafle du Vélodrome d'Hiver par un policier « un temps voisin de palier » Lorsque, en 1988, Rajsfus tentera de l'approcher (« pour comprendre »), le retraité l'éconduira d'un brutal: « Ça ne m'intéresse pas ! » Pour Maurice Rajsfus le lien entre passé et présent est constant, notamment dans la surveillance de la police : Ils ont volé des années de vie à mes parents. Tous ont participé aux rafles quand ils étaient requis. Pratiquement pas un seul n’a démissionné...

Historien de la répression, acteur des luttes de son temps, Maurice Rajsfus a traversé les dernières décennies sans jamais songer à déposer les armes.
Il est auteur d'une trentaine de livres dans lesquels il a abordé les thèmes de la Shoah en France, de la police et des atteintes aux libertés. Il est cofondateur de l'Observatoire des Libertés Publiques.

Site de l'Observatoire
des Libertés Publiques:

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UN BATEAU POUR GAZA

SAMIR ABDALLAH
entre Révoltes et Répressions

Samedi 26 Mars 18h30
Films, Débat, Buffet

En partenariat avec le Collectif 13
« Un bateau français pour Gaza »
et
la Ville de Martigues.
En présence de
Samir ABDALLAH
et des organisateurs du
Collectif Départemental et National.

Samir ABDALLAH de retour d’Egypte présentera son projet et dernières images de :
AU CAIRE DE LA REVOLUTION tournées au Caire durant les évènements de février 2011.

La deuxième partie de soirée sera consacrée à
la sortie du film GAZA-STROPHE

GAZA-STROPHE, PALESTINE
Un film de Samir Abdallah & Khéridine Mabrouk

La Palestine ressemble de plus en plus à une métaphore au moment où Samir Abdallah et Khéridine Mabrouk pénètrent dans gaza, le 20 Janvier 2009. au lendemain de la dernière guerre israélienne contre gaza, ils y découvrent l’étendue de la « gaza-strophe » aux côtés de leurs amis, délégués palestiniens des droits de l'homme. Les récits de dizaines de témoins font prendre la mesure du cauchemar palestinien. mais au-delà de leurs souffrances, les gazaoui « portent toujours le fardeau de l’espoir » qu’ils font vivre à travers poèmes, chants et nokta (blagues ou histoires à raconter)…

Gaza-Strophe a été primé aux 15ème Festival international du documentaire et du reportage méditerranéen à Marseille : Grand prix France tv – Enjeux méditerranéens.
21e Festival international du film d’histoire de Pessac 2010 : Grand prix du jury catégorie documentaire et Prix du jury des jeunes journalistes.
Medimed 2010 Barcelone : Prix Ahmed Attia pour le dialogue des cultures

Cette soirée est placée sous le signe de la solidarité avec les « Gazaouis ». Elle vise à mieux faire connaître leur situation, à briser le mur du silence et à participer activement à l’affrètement d’un bateau Français participant à la flottille internationale qui se rendra en Mai 2011 à Gaza.

Site du Film:

Site"un bateau français pour Gaza"

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PAGE BLANCHE / ECRAN NOIR
Nouvelle Etreintes Photographiques

Vendredi 1er avril 2011 à 19h

Présentation : Olivier Domerg
Soirée organisée par
Autres et Pareils
le Cinéma Jean Renoir
en partenariat avec la librairie l’Alinéa.

Projection photographiques et rencontre avec

le photographe
Denis BERNARD
et
le philosophe et poète
Pierre PARLANT.

Revisitant trente ans de création et de recherche, Page blanche / écran noir revient sur une démarche artistique foisonnante et passionnante. Au menu de cette soirée, projection et rencontre nous précipitent au cœur d’une pratique et d’une réflexion des plus jubilatoires et affranchies qui soient !

Se plaçant résolument sur le terrain de l’écart et du corps, c’est-à-dire d’une expérience quasi physique et littérale de la photographie, DENIS BERNARD reconsidère l’ensemble de ce qui la fonde et l’oriente. Standards, normalisations, dispositifs et dispositions, en s’imposant, ont figé les choses. L’aventure, dès lors, consiste à regarder, ressentir ou penser différemment le « fait technique ». Il s’agit de photographier autrement. De « voir encore, dedans et au-delà ». De privilégier les « brouillons acharnés » d’une « nouvelle étreinte ».
Avant tout photographe et artiste, Denis Bernard est aussi professeur, chercheur et historien de la photographie. Il a enseigné la photographie à l'École Estienne (de 1996 à 2009) et à Paris III, Sorbonne nouvelle. Il a réalisé l’iconographie de nombreux livres et catalogues d’exposition et a été photographe au Musée Rodin.

20H15 BUFFET suivi de :

LA FEMME DES SABLES
de Hiroshi TESHIGAHARA (1964, Japon, version longue inédite). Avec Eiji OKADA, Kyoko KISHIDA. Prix Spécial du Jury au Festival de Cannes, 1964.

Dans La Femme des sables, récit tout à la fois fantastique et naturaliste, un instituteur traverse une région désertique pour s’adonner à sa passion : l’entomologie. Suivant la logique d’inversion propre au fantastique, le chasseur se retrouve pris au piège. Des villageois l’emprisonnent au fond d’une carrière de sable en compagnie d’une jeune veuve. Là, pour gagner de quoi subsister, il devra, sans fin, déblayer le sable qui s’écoule dans la caverne. Bien qu’une intimité se crée avec la jeune femme, il tentera plusieurs fois, sans succès, de s’évader. Le monde, pour lui, va désormais trouver son origine et sa fin dans le petit territoire ensablé de sa prison à ciel ouvert.

La Femme des sables est une adaptation du livre de Kôbô Abe. Le film est devenu pour beaucoup de cinéastes un modèle cinématographique où le silence et le jeu des corps font passer magistralement l’émotion. Peu de dialogues pour un huis-clos dérangeant, deux acteurs uniques, un récit insolite, absurde, terrifiant et une mise en scène d’une troublante modernité.

Site de AUTRES et PAREILS:

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ECOUTER VOIR
ou
L’ECRAN MUSICAL

Lecture, Concert, Film

Vendredi 8 Avril 18h30

En présence de :
Bernard FAUCONNIER
et
Emmanuel CULCASI

(Tarif Unique (buffet compris) : 12 euros)

LECTURE :
BEETHOVEN par
Bernard FAUCONNIER

Bernard Fauconnier est professeur de littérature, chroniqueur au Magazine Littéraire. Il est l’auteur de plusieurs romans et essais dont : L’être et le géant, L’Incendie de la Sainte-Victoire, Kaïros et Beethoven. Il vit en Provence,dans la région d’Aix.
Professeur de littérature et chroniqueur au Magasine littéraire, il a déjà publié plusieurs romans et une biographie de Cézanne L’être et le géant, L’Incendie de la Sainte-Victoire, Kaïros et Beethoven. On retrouve dans ce livre la plume acérée et le non-conformisme bien connus de ses lecteurs.

CONCERT :
BEETHOVEN par
Emmanuel CULCASI
Emmanuel Culcasi interprètera différents mouvement ainsi qu’une sonate dans son intégralité.

Né en septembre 1993. Emmanuel Culcasi commence le piano à 7 ans à l’Ecole de Musique de Martigues dans la classe d’Alise Diaz. Il obtient son DEM d’orgue ainsi que son diplôme de perfectionnement en piano en 2010 à l’ENM d’Aix-en-Provence. Il a été plusieurs fois premier nommé à des concours de piano nationaux (Claude Kahn, Steinway..) et obtenu trois bourses d’étude, trois fois lauréat (3ième prix) de concours internationaux. Il a participé à de nombreuses manisfestations (nuits pianistiques d’Aix-en-Provence, Concert-Hommage à Robert Coinel au théatre des Salins à Martigues…).

FILM :
PIANOMANIA
Un film de Robert Cibis et Lilian Franck Avec : Stefan Knüpfer, Alfred Brendel, Lang Lang…

Un voyage plein d’humour à travers le monde secret du son et qui accompagne Stefan Knüpfer dans son travail extraordinaire avec les plus grands pianistes du monde. Pour sélectionner l’instrument qui correspond à la vision du virtuose, l’accorder selon son désir et l’accompagner jusqu’à ce qu’il monte sur scène, Stefan Knüpfer a développé des nerfs en acier, une passion sans limite et surtout la capacité de transposer des mots en sons.
Que seraient les grands pianistes sans l'instrument qui leur permet de traduire leur perception profonde de Bach ou de Mozart ? Au commencement de la musique est le son, et le son, au Konzerthall de Vienne, c'est l'affaire de Stefan Küpfner. Chef technicien et accordeur de Steinway and Sons, C’est avec une passion inventive, d'une incroyable précision qu’il règle cordes et marteaux, fabrique des sonorités sur mesure. C'est la rencontre de l'âme et de la technique. Une histoire d'amour pleine de risques, de tensions, de péripéties haletantes et drôles, jusqu'à l'accord parfait.

Le titre et le sous-titre qui lui est accolé - un film sur l’amour, la perfection et une note de folie… - évoquent immanquablement les années 70 de Ken Russell. Mais Pianomania, signé Robert Cibis et Lilian Franck, n’a aucun rapport avec le flamboyant et cinglé Lisztomania, qui vit Roger Daltrey, chanteur des Who, incarner Franz Liszt. Il s’agit en fait d’un documentaire pour le grand écran, sur un accordeur de piano.

A quoi bon aller voir ce film ? En raison de son sujet et de son personnage principal : Stefan Knüpfer. Ce technicien Steinway n’est pas n’importe quel accordeur, c’est un magicien - un «névrosé», dit-il de lui-même - officiant au Konzerthaus de Vienne, où se produisent et enregistrent des pianistes majeurs qui ne jurent que par lui. Pianomania aligne ainsi quelques vedettes - la légende Alfred Brendel ou la superstar mondiale du clavier Lang Lang - pour de courtes apparitions, son intrigue principale restant l’enregistrement de l’Art de la fugue, de Bach par Pierre-Laurent Aimard.

Au début du film, le pianiste français annonce à l’accordeur son arrivée dans un an, et l’on voit Knüpfer commencer à flipper : «M. Aimard parle de "moments temporels du son"... Il veut faire des disques pour l’éternité !» L’exigeant musicien le prévient également qu’il faudra trouver quatre types de sons différents pour les diverses pièces du cycle de Bach : un son proche du clavecin, un autre du clavicorde, un troisième évoquant l’orgue et un dernier suggérant la musique de chambre. Les éléments sont en place pour un scénario d’odyssée classique avec le comptant d’épreuves et rebondissements requis, jusqu’au triomphe final du héros. Pendant des mois, Knüpfer se prépare en allant étudier les qualités acoustiques du clavicorde dont joue un confrère ou en essayant des réflecteurs de son sur le piano. Parmi les intrigues parallèles, celle de l’achat à Hambourg d’un piano Steinway, pour le Konzerthaus, n’est pas anodine : le nouvel instrument choisi par Knüpfer doit remplacer le numéro 109 dont le théâtre viennois vient de se séparer et qui était le favori d’Aimard, ce qui rajoute une tension supplémentaire…

Ingéniosité. Autant dire que pour un musicien voir pour la première fois Aimard en studio, tandis que Knüpfer visse, lime, rivalise d’ingéniosité technique pour modifier la courbe du son, sa forme, sa couleur, est forcément intéressant. On imagine donc que pour tous ceux qui n’ont jamais assisté à l’enregistrement d’un disque ou qui n’écoutent que de la pop music sur leur baladeur, Pianomania puisse être carrément fascinant. Le seul problème, c’est qu’ils n’auront jamais l’idée d’aller voir ce film, et qu’aucun article ne les en convaincra.

SITE du FILM :

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93, LA BELLE REBELLE
Carte Blanche à Jean-Pierre Thorn
Jeudi 14 Avril à 18h30
En présence de
Jean-Pierre THORN

Cinéaste et militant, Jean-Pierre Thorn tourne son premier court-métrage en 1965 et son premier long-métrage en 1968 à l’usine occupée de Renault-Flins dans le cadre des productions des “Etats Généraux du Cinéma français”. En 1969, il abandonne le cinéma pour s’embaucher comme ouvrier O.S. à l’usine métallurgique Alsthom de St-Ouen. En 1980, il réalise Le dos au mur (témoignage de l’intérieur sur son expérience ouvrière). En 1989, sa première fiction Je t'ai dans la peau (1989) raconte le destin étonnant d’une femme, religieuse puis dirigeante syndicale, se suicidant au lendemain de la « victoire » de la gauche de 1981. Depuis 1995, il collabore avec le mouvement hip hop et réalise 3 films, devenus emblématiques de cette culture : Génération Hip Hop, Faire kifer les anges et On n'est pas des marques de vélo (2003).

Il nous présente ce soir un film de son choix
et sa dernière réalisation :

« L’habitat du pauvre est volatile, l’habitat du riche demeure. » L’accordéoniste et poète Marc Perrone, en voiture, raconte le bidonville d’Aubervilliers, la cité des 4 000, le canal : « On a l’impression, dans ce coin, que rien ne peut faire patrimoine. » Ce que rappelle le documentaire 93, la belle rebelle, c’est que justement, « dans ce coin », il en existe bien un, de patrimoine. À travers le prisme de la Seine-Saint-Denis, le documentaire présente, chronologiquement, l’évolution des genres musicaux, du rock au punk, du rap au slam, à travers une poignée d’artistes qui y ont grandi. Et qui, à leur tour, nous parlent de leur rapport au lieu.

Le documentaire, réalisé par Jean-Pierre Thorn (Génération Hip Hop, Faire kifer les anges, On n’est pas des marques de vélo), fait débuter cette histoire dans les années 60, au temps du rock et des blousons noirs, époque où les tours commencent à pousser au milieu des champs. Pour incarner la période, Daniel Baudon, ouvrier chaudronnier à Pantin et batteur dans un groupe de rock. Puis vient Marc Perrone, dont on boit les paroles : « Cette banlieue, elle n’est pas maudite, elle est malléable. Transformable à merci. C’est construit, démoli, construit, démoli… Un lieu de passage, sans arrêt remodelé. » On retrouve ensuite Loran des Bérurier Noir, sur un quai de RER. « Y avait des espaces, des terrains, y avait des endroits où y avait de l’herbe, on pouvait courir. Là, maintenant, tout ça c’est terminé. On a bétonné tout. Je pense que c’est une grosse erreur, parce qu’on a bétonné la tête des gens en même temps. » Puis le DJ Dee Nasty, évidemment NTM, et D’ de Kabal, de Bobigny. « Ici, les gens sont assez proches les uns des autres : les murs sont pas très épais. » En parallèle, le docu montre les évacuations de squats, la crise du secteur industriel et le chômage de masse dans le département, la mort de Malik Oussekine, « le bruit et l’odeur » de Chirac, les « sauvageons » de Chevènement, le « nettoyage au Kärcher » de Sarkozy.

93, la belle rebelle est une visite sensorielle dans l’espace et le temps, une succession d’images et de sons qui transmettent l’énergie vorace qui anime ces artistes. Insoumis, politisés, fiers, avec leur refus des codes et leur envie de gueuler : le réalisateur établit une parenté entre tous, une filiation. La culture de la Seine-Saint-Denis en héritage.

Buffet en milieu de soirée Entrée 5 euros (adhérents :4 ) + 3 euros participation Buffet

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Black Swan
Darren Aronofsky

USA, 2010, 1h43
Avec : Nathalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel

Black Swan est un film qui fait dans l’excès, se pliant aux règles esthétiques de l’art vivant où se déroule son intrigue : l’opéra, la danse, arts stylisés par excellence. Tout est symbole ici, et donc lourdeur visuelle apparente pour l’amateur de cinéma.

La fascination qu’exerce le film sur son spectateur et sa réussite résident dans ce paradoxe : l’adresse de saltimbanque d’Aronofsky à jongler avec de lourds symboles, avec des personnages archétypiques fortement connotés comme s’ils étaient légers comme une plume, et sa capacité à les agencer avec une étrange finesse tout en contrastes.

Pour aboutir à quoi ? A du spectacle, fort, émouvant, qui fait battre le cœur à toute vitesse. A un conte aussi, donc un récit plein de symboles, qui décrit une initiation, un passage. D’abord entre l’enfance et l’âge adulte chez une femme (la perte de la virginité), mais aussi celui entre l’humain et l’artiste. Enfin, Black Swan est aussi un grand film d’humour noir, un récit sadien qui se repaît des infortunes de la jeune fille qui se croyait gentille, pure et innocente.

Mais si Aronofsky, sans la maladresse ou l’hypocrisie d’un Michael Haneke, nous renvoie sans cesse à notre propre cruauté, à notre plaisir inconscient de spectateur à voir des personnages de fiction souffrir tourments et avanies, jamais il ne paraît s’exclure de ce plaisir, sadisant ses personnages (surtout féminins) avec une joie et un sens du gag sanguinolent proprement hallucinants. JB Morain

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